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En un mundo sin Cine : The Artist

2012-01-28T09:27:00.002+01:00

En un mundo sin cine como en el que ya vivimos, películas como The Artist pueden evitar suicidios o asesinatos en masa. Dicen que el arte es curativo. Compruébalo si te sientes depresivo alguna vez: Ve a ver Cantando bajo la lluvia, saldrás nuevo. Todo aquel que ame las películas, apreciará The Artist, porque ya es un convencido. Los conversos también serán bienvenidos. Pero a los indiferentes no les dirá nada, se aburrirán como ostras e irán raudos a la sala de la peli en 3D.

The Artist es rabiosamente postmoderna porque es autoconsciente. Está hecha ahora, cuando el cine ya no es un arte jóven. Juega con el metalenguaje creado, podría ser como ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, dibujos animados que se intuyen personajes de un arte antiguo, que reflexiona sobre la vida, mejor siempre que ésta. Con el sonoro surgió no sólo un estilo de interpretación más naturalista, sino temas más costumbristas. El medio es el mensaje, la forma es el contenido. El cine mudo, el blanco y negro, la interpretación gesticulante y exagerada, es como ir a un teatro romano a ver una obra teatral clásica de mitos griegos. Sólo que quien los realiza, quien los escribe e interpreta, es un ser humano de este tiempo, que habla de las carencias y deseos de su contemporaneidad. Si las mejores películas mudas y del principio del sonoro, (ojo, Cantando bajo la lluvia también habla de la transición del mudo al sonoro) se realizaban en Hollywoodland para entretener a un público deseosos de escapar de las dramáticas condiciones de vida del crash del 29, la repetición de este contexto trágico-social en el año 2012, con una población mucho menos ingénua que entonces, más habituada a no soñar ni a evadirse con cualquier cosa, hace más duro y complicado que una película como The Artist cumpla la misma función que sus originales homenajeadas en aquella época primigenia. No lo pretende tampoco. Podría haberse quedado en el simple homenaje, pero nos habla también a cada uno de nosotros. ¿Seguiremos buscando ver la belleza, el amor, el drama y la comedia reflejados en la pantalla, sabremos todavía reír y llorar, emocionarnos e indignarnos viendo una película?. Nunca antes, había sido tan consciente de la desaparición de un estilo de vida, de la llegada del principio de la barbarie. Vivimos en guerra. Necesitamos más que nunca ver Cine.

Golshifteh Farahani, actrices iraníes contra el Islamofascismo

2012-01-26T10:13:00.002+01:00

En los últimos tiempos abundan los ataques puritanos contra blogueras, actrices y artistas que deciden mostrar en los medios su cuerpo líbremente, sin pudor y con un mensaje más político ó cultural que erótico. Fue el caso de de la egipcia Aliaa Elmahdy, y ahora es el turno de la bellísima actríz iraní Golshifteh Farahani, (Media Luna y Red de Mentiras) desterrada de su país por el gobierno dictatorial de los ayatolás, por mostrarse semidesnuda en una revista francesa que entrevistaba a diferentes nominados a los Premios César.

Lenta y progresivamente, va calando un movimiento de emancipación de la mujer en el mundo árabe e islámico en general, y también en otros países de tradición machista como Rusia y Ucrania. Ahí está el movimiento activista Femen, formado por mujeres que en topless y con coronas de flores, luchan contra la prostitución y la violencia machista contra la mujer.

Otro caso de islamofascismo del gobierno iraní : la actríz Marzie Vafamehrha ha sido condenada a 90 latigazos y a un año de cárcel por participar en la película crítica con el régimen "Mi Teherán en venta".

Creo que en España, país que ha vivido un régimen autoritario y machista, con responsabilidades de la religión católica, impuesta por el estado franquista y la Iglesia, al igual que ahora la religión islámica, en sus vertientes extrema chiíta en Irán y wahabita en Arabia Saudí, asociadas a regímenes dictatoriales, debemos ser sensibles a la penosa situación de represión que sufren muchos artistas y cineastas de aquellos países, para apoyarles en foros internacionales.

*Aunque esto parezca un tema superficial, pienso que el "destape" en el cine español de los 70 y 80 fue una reacción lógica y necesaria a años de represión sexual en la sociedad. Por lo mismo, creo que el mundo islámico necesita su propio "destape" (de hombres y mujeres), pues va asociado, aunque no lo parezca y se crea que sólo beneficia a la contemplación erótica de la mujer por parte del hombre, a la liberación y emancipación femenina, ya que ésta empieza a ser dueña de su cuerpo, y controla el uso de su propia imagen, para enseñarla o taparla, según su libre decisión, sin que líderes religiosos o gobernantes le digan lo que tienen que hacer.

TORCHWOOD, Cuando éramos "frikis"

2012-01-26T09:30:00.002+01:00

Ya no nos dejan ser frikis, si es que alguna vez lo fuimos de verdad. Quizá yo lo era por actitud de desarrapado, de inadaptado. Vivía en un barrio aislado, pero en realidad, vivía en una casa aislada de una familia aislada, estancada en una realidad paralela. Ayer echaron Torchwood en Neox, serie friki por excelencia. Quien haya visto Doctor Who, la versión moderna, los conocerá. Un piloto americano homosexual de la 2ªGuerra Mundial enrolado en una agencia de investigación de lo sobrenatural, ahora en una extraña versión yanqui para la tele, cortada mil veces por Neox para emitir anuncios de 6 minutos de duración. ¿Quién aguanta tanta propaganda? Como los bailes de horarios de La Fuga en Telecinco. Ahora la echan 10 minutos más tarde de su hora programada, en ese maltrato al espectador, esa falta de respeto que nos tienen los programadores televisivos. La gente trabaja al día siguiente, o se tiene que levantar temprano para buscar curro. Dejadnos ser frikis, no nos obliguéis a que nos descarguemos programas de la red para poder seguir con un mínimo de seriedad las series.

CINÉMA GENEVIÉVE EN FACEBOOK

2012-01-20T12:18:00.001+01:00

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TEATRO GENEVIÈVE : LA MECEDORA

2012-01-20T12:11:00.000+01:00

"LA MECEDORA", de Jean Claude Brisville. Dirigida por Josep María Flotats para el CDN.
Con Helio Pedregal, Eleazar Ortíz y Daniel Muriel.

¬ Jerónimo, el personaje que interpreta Helio Pedregal, es la obra, es el autor, somos nosotros. Actorazo, nos hace sentir incómodos al principio, después nos seduce, con el Poder de la Palabra, lo único que (nos) queda. En un mundo mecanizad ...o, mercantilizado, economicista, des-humanizado, no basta con apartar lo no-rentable, sino que prevalece la ideología autoritaria que pretende su total eliminación. No hay nada "personal" en ello, no es cuestión de emociones ni sentimientos, es la fría calculadora del contable. Pero sabemos que nunca es así, quieren tu alma, quieren desposeerte del valor humano, del placer de la lectura, de escribir, de la palabra, el arte, la belleza.
Eleazar Ortíz hace que sus "silencios" tengan presencia escénica, y Daniel Muriel, muy en su papel de jóven impetuoso e ilusionado, cumple con su cometido eficazmente. Obra que te hace reflexionar una vez estás en la calle, porque el tema te toca, porque te agrede. Lo que te da el teatro, la palabra hecha personaje, espejo, reflejo, no te lo dan otras artes, que son otra cosa. Es una obviedad decir esto después de miles de años de teatro. Tristemente, no es una obviedad, porque la mano "invisible" del mercado puede hacer desaparecer lo que le de la gana, lo que considere que ya no vale, porque no da suficientes beneficios.

HOMELAND : COMO "24" CON CÉLULAS DURMIENTES

2012-01-20T11:37:00.001+01:00

Vuelve la guerra fría de la mano cansina de los americanos y su temor al enemigo radical islámico, que empieza a quedarse antiguo. Así que retoman la resobada idea de las células durmientes, el enemigo interior, la conversión, el lavado de cerebro, etc.., para colocar a una hiperflaca Claire Danes con "ojos de loca", como dirían los amigos de "Como conocí a vuestra madre", sola contra el mundo. Y la reconfortante presencia de la mala de "V" Morena Baccarin (Firefly, con el bueno de Castle surcando un espacio del Oeste pre-Cowboys and Aliens) para hacer aún más entretenida esta paranóica serie. No creo que yo pase del episodio piloto.

FINCHER Y DE LA IGLESIA : SENDOS ENCARGOS

2012-01-18T12:41:00.000+01:00

Vayamos por partes : Fincher y Millenium.

Reconozco que no he leído la trilogía sueca, aunque me gusta el género negro nórdico, tan de moda ahora, y del que destaco a Wallander y la magnífica serie de Kenneth Branagh, por lo cual, he ido vírgen de prejuicios literarios al cine. He disfrutado de esta película porque entretiene, es dinámica y no te das cuenta de que dura 150 minutos. Creo que Fincher, desde Zodiac, se ha convertido en un gran narrador, pero a costa de perder buena parte de su agresivo empuje y originalidad inicial. Ese "estilo" nuevo que imprimió en su mejor obra (para mí) hasta la fecha, El club de la lucha. Craig y Mara consiguen dar calidez a la historia y crean unos personajes con química, salvan la frialdad narrativa del director americano, que sabe contar pero no emocionar. Son los intérpretes los que hacen que esta película pueda ser recordada, y la tremenda banda sonora de Trent Reznor (Nine Inch Nails), que al igual que los magníficos títulos de crédito, son de los pocos elementos que te hacen darte cuenta de que es una peli de Fincher.
Y también, aunque supongo que esto ya estaba en el libro, la magnífica historia de odios familiares, tan reconocibles, y del lado oscuro nacionalsocialista de una sociedad en apariencia, civilizada y progresista. El resto es entretenimiento con ribetes durillos, por eso contrataron a Fincher, y poco más.

Álex de la Iglesia y La chispa de la vida

Mota es un crack, eso nadie lo niega, y Salma Háyek una gran actríz que hace creíble cualquier personaje. Logran emocionar y transmitir el amor y el cariño que respira esa pareja. Todo es claro y diáfano, hasta políticamente correcto, aceptable, con las críticas bienintencionadas al sistema en el que vivimos. Es un encargo, y De la Iglesia se pone algo institucional. Esa crítica poco mordaz, diría que hasta entrañable, al circo de los media, al sensacionalismo, se ha quedado ya antigua. Lo que a mí me interesa, lo que me parece grave, es como tratan los antiguos compañeros publicistas al parado, como le humillan, como lo marginan en el mundo "de lo guay y de lo moderno, del que figura y está y del que ya es un paria para los demás". Y de la relación que entabla el desempleado con su familia, con sus conocidos, consigo mismo. Yo sé lo que es eso, he estado en paro muchas veces y vuelvo a estarlo. Mota sabe transmitir esa desesperación y autoengaño, pero el resto del show me sobra, el espectáculo mediático está muy visto y no hace daño. La dignidad del parado y de su familia no está en rechazar el dinero del productor, sino en lograr tener cada día un poco de autoestima. La anécdota está sobredimensionada, porque, ¿tan interesante es la historia del accidentado Mota para que se barajen esas cantidades de dinero, para que gire a su alrededor la industria de la tele basura?. Ríes y lloras, pero no hace pupa.

*Y ya me estoy empezando a cansar de este cine de "amiguetes" con los mismos rostros de siempre, con Santiago Segura a la cabeza, porque dan una pobre imágen de cine endogámico, de pequeño negocio que no llega ni a poder llamarse "industria". Nuestra "comedia española" está muy bien, viene de una gran tradición de literatos, guionistas, directores y actores, pero es limitada, y da muestras de estancamiento.

LA HORA MAS OSCURA y GREEN LANTERN: ALIENÍGENAS!!

2012-01-15T22:01:00.001+01:00

LA HORA MAS OSCURA

Uno de los mayores alicientes de LA HORA MAS OSCURA es Moscú. La capital rusa aporta una presencia y un marco atípico muy aprovechable para un film de invasiones alienígenas americano como este, sobretodo por la naturaleza invisible de estos extraterrestres, especialmente inquietante e impredecible en los grandes espacios abiertos de la ciudad, como la Plaza Roja.
Aun así, si el film es sobradamente entretenido, también es cierto que podría haber aprovechado más su premisa, ya que parte de un arranque prometedor para acomodarse luego en una narración poco ambiciosa aunque bien acabada como film de serie B con pretensiones.
Este año como el pasado hay más marcianos de cine que en una temporada de Doctor Who, así que pendiente del estreno de la próxima BattleShip (con Liam Neeson y Rihanna) y de poder echarle un ojo a Attack the Block (con aliens en los suburbios londinenses) y a la española Extraterrestre, de Nacho Vigalondo, estoy convencido que tendremos apocalipsis del espacio exterior para todos los gustos.

EL DIA MAS BRILLANTE

Por otra parte, GREEN LANTERN adapta libremente al cine los últimos 10 años (aproximadamente) de vida comiquera del personaje, que reinventó y revitalizó considerablemente su particular universo cósmico. Si bien disfruté de la cinta, seguramente por las escasas expectativas que las críticas de muchos aficionados me habían inculcado, es cierto que sin ser tan mala como dicen, sin duda sufre de carencias evidentes, tal vez motivadas por una falta considerable de ambición en lo que quiere contar. Actores sobresalientes como Peter Saasgard como el villano Hector Hammond pueden aportar poco interés a lo que vemos, y sin resultar purista con el material original del que parte, tal vez hubiera sido más acertado centrarse más en unos pocos elementos fundamentales del argumento y personajes en lugar de tocar tantos palos para resultar tan poco estimulante al final.
Aun así, si no abandonan la franquicia y plantean mejor su continuación puede ser el modesto comienzo de algo mucho más interesante y distinto de la convencional peli de superhéroes que Green Lantern es.

SERIES ESPAÑOLAS : LA FUGA

2012-01-12T12:42:00.000+01:00

Por fín una serie que no me decepciona, que da lo que promete, puro género, por lo menos en el episodio piloto. Dirigido éste por el director todoterreno Antonio Hernández (Oculto, Capitán Trueno) y Vicente Torremocha, es un drama de acción carcelario en un futuro cercano, en una España alternativa más dura y apocalíptica, con un gobierno autoritario y un grupo de resistencia a lo 15-M pero mucho más combativo, que usa técnicas de guerrilla y terrorismo. Los medios que usa son los suficientes y eficaces para que el asunto no cante, cromas y efectos digitales utilizados con pericia, y actores solventes que bordan una interpretación física a la manera americana. Todo muy profesional, sin niños ni abuelos para enganchar de burda manera a toda la familia.Destacar a la cada vez más creíble y "cinematográfica" María Valverde (Ladrones, El rey de la montaña)

y a un malo con carisma, Asier Etxeandía (El próximo Oriente, El Capitán Trueno). Si no decae, puede ser una entretenida y gran serie, que espero no sea "mareada" en la programación por Telecinco, empresa que no suele creer en sus productos, y eso, que produce series comerciales y de entretenimiento con cierta calidad y riesgo. Ojalá a "La Fuga" le depare mejor suerte que a "Homicidios, ", serie que mereció un visionado más fiel, si la cadena amiga lo hubiese facilitado.

INMORTALS:Del cartón piedra al croma verde

2012-01-10T00:54:00.002+01:00

En INMORTALS, el cachas Henry Cavill y su impecable pelazo recuerdan a Steve Reeves en sus peplums mitológicos italianos de los 60, pero en una version hipertrofiada en su desbordado esteticismo y su intensidad violenta.
Todo es diversion: los dioses griegos son como Powers Rangers y Caballeros del Zodiaco dopados con una dosis gore de The Matrix, Mickey Rourke está inmenso como el villano Hyperion. Además John Hurt y Stephen Dorf se pasan por allí para aportar sendos barnizes de distinción Británica y colegueo, respectivamente.
La atmósfera es aún más irreal que la de 300 y el conjunto igualmente entretenido, aunque menos épico.

LA MUERTE DEL BARÓN

2012-01-08T20:00:00.003+01:00

El pasado noviembre falleció John Neville, el inolvidable Baron de Munchaussen de Terry Gilliam. Pero recordad sus palabras en el filme: "...y esta fue otra de mis muchas muertes".

Concurso 20 Minutos : Agradecimientos

2012-01-07T10:47:00.001+01:00

Como soy un poco dejado, no le había dado mucha importancia al Concurso de Blogs de 20 Minutos. Agradezco a los compañeros del blog Cine para usar el cerebro y a Ángela, de Conocer Madrid, sus comentarios en alguno de los artículos de esta humilde bitácora de cine y televisión. Muchas gracias por los ánimos y la opinión, siempre es un gusto saber que nos leen. Quisiera mencionar a todos aquell@s que alguna vez han pinchado aquí desde el continente americano, que comparten nuestra lengua castellana y que son forofos fieles de este arte tan presente, el cinematógrafo, la moviola, la imágen. Suerte a todos en el concurso y ojalá ganen, aunque que te voten colegas, ya es un premio..

SERIES YANQUIS : ¿Por qué abandoné el visionado de Breaking Bad?

2012-01-07T09:57:00.001+01:00

Sin escatimarle el mérito de esta serie al reflejar la evolución de un perdedor, un mediocre de clase media, en su trayectoria hacia la conversión en un capo de la droga, tema que trató con solvencia The Wire, aunque ésta, a diferencia con la anterior, abundó en el retrato sociológico y antropológico de las redes del narco y todo lo que le rodea en una determinada ciudad norteamericana, debo reconocer que dejé de ver Breaking Bad a mediados de la primera temporada, porque tuve la sensación de que se frivolizaba con un tema muy grave. Veo una tendencia en el cine y la tele americana, de hacer superficial, de regodearse muy gratuítamente en el asesinato, la violencia y la saña, sin que se vean muy bien las consecuencias producidas por estos actos, en los personajes. Sé que más adelante en esta serie, se entiende mejor la degradación moral del protagonista en su inmersión en el mundo del narcotráfico, y que quizá me he retirado demasiado pronto, porque me han dicho que en la segunda temporada mejora. No quisiera caer en un fácil moralismo, pero elevo la siguiente pregunta:"¿Somos realmente conscientes en Europa y en Estados Unidos del efecto que crea nuestro consumo de drogas, en los países productores o distribuidores de este producto letal? ¿Hemos pensado alguna vez en nuestra contribución a la violencia sanguinaria del Narco en México, Colombia y Centroamérica, ejercida en la lucha por el control del suministro por los diversos cárteles?"Soporto la violencia y la sangre en el género del horror, del gótico, porque están sacadas de madre, pasadas de rosca. Son exageradas y grotescas, y buscan un susto rápido. Pero cuando se refleja el mal real y absoluto producido por las guerras y el narcotráfico, o el comercio de mujeres, o la esclavitud infantil, el abuso de menores, el asesinato de niños, hay que tratar el tema con cuidado, hay más responsabilidad, que supera la necesidad del autor por entretener al espectador. Se necesita aportar soluciones, tratando de educar, no de sermonear ni de dirigir, pero sí de advertir y aconsejar.

**Bueno, y además de esta razón, llamémosla ética, está la práctica: - Hay demasiadas series buenas hoy en día y tan escaso el tiempo realmente libre, que uno tiene que elegir según sus gustos y pareceres.

SERIES YANQUIS : AMERICAN HORROR STORY: Gótico americano

2012-01-07T09:41:00.001+01:00

Antes de todo, decir que me encantan las adaptaciones a tv y cine de las obras de Stephen King, incluso las más locas y caóticas. Tengo debilidad por las casas encantadas, los sótanos oscuros, los altillos inquietantes, los asesinos natos y los frascos llenos de fetos muertos. Un guionista demente ha tomado todos esos elementos y ha hecho un revoltillo, y lo ha lanzado contra personajes que van a vivir rodeados por el mal rollo a cada minuto, sin descanso. Posesiones, asesinatos, satanismo, vecinas inquietantes de pasado oscuro, asesinos en serie, un género americano en sí, que desde los 70 ha

poblado el cine de todo el mundo con lo peor del ser humano. Claro que esta serie engancha. ¿Cómo no va a seducirnos tantos ingredientes de horror pasados de rosca? Lo raro es que no quieras ver el siguiente capítulo, si aguantas el ridículo. De todas formas, Lost rompió todas las reglas no escritas de la elaboración de un guión televisivo. A partir de ahí, todo vale. Y en el terror, aún más.

Momentos Frikis : CHICAS DE LAS SERIES "ANNA SILK"

2011-12-28T10:58:00.002+01:00

Anna Silk, actríz canadiense de la serie Lost Girl, que actualmente emiten en algunas cadenas autonómicas. Rostro bello e inquietante, postpunk, quizá algo neogótiko, apto para jovencitas picantes, modernillas y urbanas, en esta serie del fantastique, donde interpreta a Bo, un hada comtemporánea que no controla sus poderes y que intenta hacer el bien, protegiendo a una jóven ladronzuela de la calle, y que tiene una visión algo bi de la sexualidad, muy a lo Atom Egoyan, que por cierto, podría contratarla para su próxima película.

PRECIOUS: LOS GOLPES DE LA VIDA

2011-12-20T14:08:00.002+01:00

PRECIOUS es un drama sin concesiones. En Hollywood siempre se busca el sendero hacia el final feliz o al menos el desenlace esperanzador, y esta no es exactamente una excepción, aunque mucho menos amable de lo que cabría esperar de un film ganador de varios Oscars.
Tal vez le falte algo de garra para mi gusto a la historia, que puede llegar a parecer un desfile de desdichas que se abaten sobre la chica protagonista, si bien lo compensa con una capacidad de impactar magistralmente ejecutada y unas buenas interpretaciones de un reparto casi desconocido, en el que destacan el personaje de la madre de Precious, tan aterradora como lastimosa, la sicóloga funcionaria que encarna una casi irreconocible Mariah Carey y la paciente e implicada profesora interpretada por Paula Patton, de actualidad por el estreno de la muy distinta MISION IMPOSIBLE: PROTOCOLA FANTASMA, un peli que entiende el cine desde el ángulo opuesto, el de el espectáculo escapista más convencional y entretenido, si bien carga en esta cuarta entrega las tintas en el tono cómico lastrando el interés por la épica que le imprimió John Woo en su segunda entrega, y resultando menos interesante que la tercera (donde comenzó la implicación de J.J. Abrams en el proyecto), salvo por las excasas referencias a esta.

SUCKER PUNCH: DELIRIO

2011-12-20T13:46:00.002+01:00

SUCKER PUNCH es tan hermosa visualmente como extraña para ser una superproducción. Esta historia trágica sobre unas chicas víctimas de continuos abusos que escapan a través de una fantasía delirante por la que lo mismo circulan robots que orcos y dragones en un estado de guerra permanente resulta tan espectacularmente entretenida como triste.

Recuerda a una versión posmoderna y más superficial de la gran y poética BRAZIL de Terry Gilliam, que dejaba un poso tan amargo como esta, si bien a través de un viaje mucho más interesante en definitiva.

Pero SUCKER PUNCH es sobretodo, un video musical elaborado a partir de unas canciones concretas que cimentan lo que nos van a mostrar. Un ejercicio estético de innecesario aunque sugestivo dramatismo, sin más.

Adelantos : "John Carter, princesa de Marte". Conan en el espacio

2011-12-07T11:16:00.001+01:00

Sólo por el visionado de este trailer, puedo decir que la estética de Avatar parece haber marcado bastante en las nuevas películas "pulp" del espacio. Por lo poco que recuerdo de mis gustos infantiles y juveniles, Edgar Rice Burroughs es de esos autores de fantasía heróica de principios del siglo XX, que creó a Tarzán, y que junto a Robert E. Howard, autor de Conan el Cimmerio, llevaron al gran público de la época, el género mestizo de la fantaciencia heróica, donde héroes terrícolas luchaban a tiros o con espadas contra los "nuevos indios malos", los marcianos, y salvaban a princesas de reinos ultraterrestres. Hoy en día, con el perfeccionamiento de los efectos especiales y el 3D, a los que llamo "los nuevos dibujos animados", es posible crear esos mundos en la pantalla, como una evolución del primigenio cine de Mèlies, en el que la Luna y Marte estaban presentes como imaginario popularizado por Verne y otros. De 1924 es Aelita, Reina de Marte, película rusa de Protazanov, que influyó en Metrópolis y Flash Gordon. Desde casi que se inventó el cine, las películas de ciencia ficción o del espacio han servido para reflexionar sobre nuestro propio mundo, sus sistemas sociales, económicos o políticos. Y aunque el cine americano siempre prime al entretenimiento, suele existir una soterrada intención ética y metafórica en el fondo.

AMORES INTERMITENTES, AMOR VERDADERO

2011-12-07T10:34:00.001+01:00

Recomiendo una película donde también aparece este magnífico actor, Jim Sturgess, Across the universe, un encantador musical que disfrutará todo aquel fan de las canciones de los Beatles, pero con un punto oscuro, de sufrimiento y de denuncia social en una época convulsa en Norteamérica.

Me gustan las películas con personajes creíbles y auténticos, que hacen cosas verdaderas. Estoy cansado del estereotipo, del arquetipo impostado. Al igual que disfruté en la tele de la emisión de la peli brasileña Tropa de Élite, porque muestra una realidad ingrata, pero sincera de la vida de aquel país, así disfruté de una cinta romántica, pero no tan al uso hollywoodiense, como ésta llamada One Day. Anne Hathaway y Jim Sturgess están muy bien, te crees su relación intermitente, el proceso de amistad y enamoramiento, hasta entender y compartir el sentimiento tan profundo que desarrollan a lo largo de los años, muy cercano al que casi todo el mundo ha podido vivir en sus carnes. Jim Sturgess es uno de esos actores que transmiten como nadie la pérdida y el abatimiento, ese chico triste que tan bién retrató el free cinema británico y la nouvelle vague francesa.

UN METODO PELIGROSO: GINOCIDIO

2011-11-29T15:40:00.002+01:00

El cine de David Cronemberg siempre me ha seducido de una forma especial. El creador del concepto de LA NUEVA CARNE es un autor tan denso e interesante (siendo habitualmente también comercial y accesible) que incluso fue entrevistado por Eduard Punset para el para el programa científico REDES hace unos años.

Su obsesión por la mutación y evolución física y mental han sido patentes desde sus primeros films de terror (incluyendo el popular remake de LA MOSCA que realizó en los 80) y ha ido evolucionando hacia un cine más intelectual y alejado del género, con films magistrales como INSEPARABLES, M BUTTERFLY, EL ALMUERZO DESNUDO, CRASH y otros más ligeros o fallidos aunque igualmente sugestivos e imaginativos como EXISTENZ y SPIDER.

Todos enfocaban desde distintos pero reconocibles ángulos la idea de la sexualidad como motor de la evolución de la psique humana y otras evoluciones del pensamiento antaño cyberpunk, si bien sus dos colaboraciones (hasta el presente film) con Viggo Mortensen parecían en apariencia desviarse de estas premisas y sumergirse en un cine negro más clásico, en UNA HISTORIA DE VIOLENCIA y PROMESAS DEL ESTE.

Siendo esto cierto, también lo es que estas pelis se han beneficiado considerablemente del bagaje sicológico con el que Cronemberg (también actor) ha ido enriqueciendo a los personajes de sus historias más retorcidas y por ello podemos seguir encontrando y apreciando referentes reconocibles y ricos en ambas cintas.

Y llegamos a UN METODO PELIGROSO, título (traducción del original) efectista y poco atractivo tras el que hay una película interesante y estimable, que retorna claramente a las filias de su realizador si bien se viste de una elegancia teatral y un pudor victoriano intencionado del que carecían otros films de una carnalidad necesariamente más evidente, como CRASH.

Aquí el enfoque sicológico es ya manifiesto desde el principio al ser Freud y Jung dos de sus protagonistas, acompañados por una Keira Knightley tristemente sobreactuada en algunos momentos, lo que resta credibilidad y coherencia a lo que vemos en pantalla.

Aún así, y echando por mi parte en falta mayores dosis de conceptos morbosos menos apegados a la realidad histórica que narra (como ese instrumental quirúrjico para cirugia de mujeres mutantes de INSEPARABLES, esas "alucinaciones" literarias sexuales de EL ALMUERZO DESNUDO, esas copulaciones extrañas de CRASH, que tanto en común tienen con UN METODO PELIGROSO en lo relativo al sexo y la muerte.), si bien es legítima y parcialmente conseguida su decisión de reducir el impacto visual de la historia y potenciar el diálogo y las interpretaciones (no lo suficiente por desgracia).

Y no solo de sicologia, sexo y muerte trata la película. Sugiere otros temas igualmente sugestivos con inteligencia e interés sutiles pero tan eficientes como para recomendarla sin duda en los interesados en un film pausado pero intenso.

Polanski y el ardor

2011-11-23T11:51:00.001+01:00

Lo mejor de esta película de Polanski, es su condición de obra teatral exitosa. Aunque ha sido criticada por eso mismo, pienso que pocas veces, puede disfrutarse la interpretación de los actores con la misma intensidad y verdad que en el teatro. La trama escrita por Yasmina Reza ya es sobradamente conocida, y el mérito que tiene esta versión es ver a estos magníficos actores internacionales siendo creíbles y aportando su oficio a unos diálogos ásperos, desagradables y reales como la vida misma. A mí personalmente me ha gustado más el papel y la interpretación de Jodie Foster, nada agradecido y bastante humillante, dentro de ese descabellado y decadente tour de force entre cuatro personas con intereses y prejuicios contrapuestos. Cada espectador puede ir identificándose con uno u otro personaje, que a veces, caen bien o rematadamente gordos. Sabe a poco el final, aunque está bien cerrada la conclusión del relato.

SERIES YANQUIS : "NEW GIRL"

2011-11-15T09:24:00.001+01:00

Llevo vistos 3 ó 4 capítulos de esta telecomedia, que me parece vibrante, fresca y muy pizpireta, como su protagonista, Zooey Deschanel. No estaba acostumbrado a ese nivel de payasada en el buen sentido, en la comedia americana, tan atada a los diálogos y al guión generalmente. Logran componer un teatrillo gracioso, en el que crean un juego distinto chicos-chica que se sale del típico rollo establecido, porque aquí se enseña el colegueo entre géneros, entre personas al fín y al cabo, y como cuando trascendemos un poco los roles sociales establecidos, podemos aportar, sumar mucho más que restar, a los demás, haciendo que la vida acelerada y urbanita se haga mucho más soportable. Y a quien le encante Nueva York y su estilo modernillo e indie, aquí va a sentirse acompañado.

Temor y Temblor. (Qué va qué va, yo leo a Kierkegaard)

2011-11-06T21:03:00.005+01:00

Creo que me quedo con la primera parte, el capítulo dedicado al personaje de Kirsten Dunst, donde esta actríz hace su mejor interpretación. Recuerda mucho a Festen, del Movimiento Dogma, incluso a Buñuel. Además, las bodas y las novias son muy cinematográficas y Kirsten aparece bastante guapa. La segunda parte os la cambio por cualquier película catastrofista americana tipo Deep Impact, mucho más efectivas. Eso sí, es de justicia valorar la intensa y desesperada interpretación de Charlotte Gainsbourg, mejor actríz que la Dunst de aquí a Lima. Sin quitarle el mérito poético a la metáfora de que un planeta llamado Melancolía choque contra la Tierra y destruya todo rastro de vida, siento que me estoy empezando a cansar del cine de autor, por mucho que aporte y matice, o por lo menos, de ciertos tipos de autores endiosados. Trier no es Tarkovski, yo siempre lo vi más parecido a Dreyer visualmente y en su temática. Recomiendo que se visite a los clásicos y se olvide uno de los modernos, incluido El árbol de la vida de Malick. ¿Por qué? Por hartazgo. Cine actual de autor bueno el iraní, el turco, el chino, incluso alguno americano. El cine tiene más de 100 años, ya se han hecho muchas obras maestras. Sólo hay que buscarlas. Ahora mismo quiero buenas películas que vayan al grano, que te hagan reír, llorar, emocionar al fín y al cabo. Espectáculo de barraca, eso es el cine..y que te enseñen las tetas gratuítamente, pues claro..*De todas formas, para ser de alguna manera justo, debo reconocer que como buen danés, Trier me transmitió Temor y Temblor, la colisión del planeta, el fín de los tiempos impresiona, hay algo de ese temor de dios que los antiguos querían enseñar al pueblo asustado. No somos nada, nihilismo católico en la calavera.

El alma del androide

2011-11-06T20:45:00.002+01:00

Mucho y bueno se ha escrito ya sobre "EVA", y lo que puedo aportar es que este film da un paso más en el género de la ciencia ficción, crea un mundo propio creíble, a partir de referencias robóticas anteriores, como creo que puede ser Inteligencia Artificial, de Spielberg/Kubrick, con un guión redondo y solvente. La niña protagonista es encantadora, un acierto. Quizá el personaje de Alberto Ammann quede un poco desdibujado, pero en general, es una película que merece largo recorrido internacional.

Cines Renoir en el Paseo de la Fama de la calle Martín de los Heros

2011-10-16T21:57:00.002+02:00

Micro-paseo de la Fama, con las estrellas de actores, actrices y realizadores destacados del cine español, en la popular calle Martín de los Heros de Madrid, donde se encuentran los Cines Renoir, el Cine Gólem, todos ellos de versión original, y la famosa librería de cine 8 y 1/2.

GIALLO

2011-10-16T19:30:00.002+02:00

GIALLO, del italiano Darío Argento es un film tan trasnochado como elegante formalmente y entretenido, ideal para los fans y los detractores de Elsa Pataky, que pasa casi todo el metraje atada, ensangrentada y torturada. Sus escenas me recuerdan al concurso reality de la MTV Scream Queen, donde actrices amateurs compiten por un papel en la enésima entrega de SAW, interpretando desmesuradas escenas de terror de considerable psicotronía.

Es lo mejor de la breve cinta, junto a la planificación de las secuencias (casi sin dialogos) de crímenes y persecución, calmadas y subrayadas por una destacable banda sonora orquestal, como un primer Brian de Palma aficionado y fresco, y la credibilidad de Adrien Brody, que poco a poco va creciendo en interés con un personaje poco lucido en una historia muy flojita pero al que sabe dotar de su característica vulnerabilidad, y casi cierra el film protagonizando un plano final hermoso. Conseguir eso en una peli olvidable como esta, pese a estar dirigida por el maestro fundador del género que da nombre al film, acompañado además por la siempre sosa Emmanuelle Seigner es todo un logro.

Brody con el director, Argento.

El portero del mal rollo

2011-10-16T10:18:00.011+02:00

Tengo poco que aportar, una vez leída la crítica positiva de Carlos Boyero sobre esta película. Reconozco que me revolví en el asiento varias veces, pero no por aburrimiento, sino por malestar, ya que el portero al que Luís Tosar da vida (tan bien como siempre), es el rey del mal rollo, da mucha grima, y vives con él sus planes de amargar la existencia a los demás, casi con regocijo. Porque no acaba de caer mal este hombre, es el logro de esta creación, que te identifiques con un cabrón psicópata que hace actos de justicia a su manera, que no diría poética. Podría tener hasta una lectura social y política, de lucha de clases, de cómo la clase trabajadora se venga de una forma retorcida, de la rancia clase pudiente y felíz, atolondrada y superficial. Pero sería de pasada, pues lo que quiere este personaje es dejar huella, manipular, crear infelicidad, y para conseguirlo, perjudica a gente de su mismo extracto social.
Carlos Boyero habla en su crítica de que esta película le recuerda mucho a las historias de Polanski. Pudiera ser, pero Balagueró no es tan bueno, sigue presa de los clichés americanos, y abusa de secuencias "tipo" donde manda la música, para subrayar un contraste con la sordidez de las situaciones, o plantea un final que parece querer continuar la saga, poco creíble con la trayectoria trágica del personaje. Quizá sea la mejor obra del cineasta catalán, pero aún le queda un rato para llegar a la calidad de los mejores autores del género.

LOVELY BONES: DESDE MI CIELO

2011-10-03T22:18:00.002+02:00

No suelen gustarme las historias que edulcoran la realidad desde un idealizado más allá, como MAS ALLÁ DE LOS SUEÑOS o GHOST. Suelen ser visualmente hermosas y fácilmente conmovedoras, pero demasiado engañosas o manipuladoras en lo dramático e incluso en resolver su argumento. Prefiero, sin que me entusiasmen tampoco, films que ofrecen su espiritualidad fantástica desde una perspectiva más cercana, como ROMPIENDO LAS OLAS o SEÑALES. Sin embargo, contradictoriamente entre mis pelis favoritas se encuentran la reciente INVISIBLE de David S.Goyer, remake de un film europeo que adaptaba una novela con algún punto en común con GHOST, y CRIATURAS CELESTIALES, de Peter Jackson, que narraba con singular sensibilidad y sentido de la fantasía la amistad de unas chicas que desemboca en un suceso terrible.

Un tono similar, tal vez incluso más pausado y cómplice es el que Jackson imprime a THE LOVELY BONES, adaptación de la novela Desde Mi Cielo. Lo que me resulta interesante de su narración es como engarza momentos donde las miradas y los pequeños gestos lo dicen todo con un estridente silencio, en una calma explosiva que desgrana por ejemplo las sospechas y reveladoras certezas de la familia Salmon sobre el asesino, tan intuitivas como afortunadas. Puede establecerse el debate sobre el hecho que no se muestre el crimen tal cual, la protagonista no es consciente del mismo durante un tiempo. Si se debe al buen gusto, a no distraer al espectador de lo que se pretende contar o a la manipulación más evidente (no llegamos a saber si hay abusos sexuales, por ejemplo). Con todo, las escenas del limbo donde la pequeña protagonista habita se tornan tal vez un poco excesivas y reiterativas hasta casi lo innecesario una vez avanzado el metraje, o al menos me resultan más interesantes las vidas posteriores de su familia (o incluso del asesino), que esa supuesta justicia poética que se propone desde el más allá. Aún así, la efectividad e impacto que la historia persigue en el espectador se cumplen de sobra, con lo que puede decirse que el film es coherente con sus objetivos, dejando un poso agridulce que tardará en diluirse, apoyado en la mirada limpia y poderosa de Saoirse Ronan.

LO MEJOR DE CADA BARRIO

2011-10-02T19:55:00.002+02:00

Madrid D.F., Nueva York, las grandes metrópolis caóticas, cada una con sus códigos y su propia degradación similar en un mundo donde la medida de todo es el dinero.La vida humana no vale nada, se premia a los malos, y las buenas personas que tienen aún un código de conducta, ven con estupor como éste tampoco vale nada. Pero siguen realizando su trabajo porque es lo único que pueden hacer.Historias de extraña redención, algunos caen, otros sobreviven. Vayamos por partes :NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS.

Santos Trinidad, ese Harry el sucio, ese Charles Bronson castizo, un Torrente serio, antiguo héroe y hoy en día un ser autodestructivo y sin moral, que arrebata vidas sin aparente remordimientos. Polígonos industriales, centros comerciales, la m-30, la m-40, la 50, funcionarios, polis corruptos, juezas que tienen que conciliar, agentes honrados, revueltas en las calles, narcos, moros y trapicheos. Los bajos fondos y un asunto extremadamente grande, lioso, peligroso. La burocracia europea, el CNI, los terroristas, la pequeña historia dentro de la gran historia, el héroe por accidente, en un contexto áspero y hóstil. Cine negro.LOS AMOS DE BROOKLYN.

Brooklyn´s finest. Lo mejorcito de Brooklyn. Los barrios de viviendas sociales llenos de camellos, la poli malpagada y desmotivada, dinero fácil, la vida cara, los políticos a su rollo, el individualismo asesino, la explotación del de abajo y la vida cómoda y fácil del de arriba. Las pequeñas tragedias personales, vidas de ratas que se matan entre sí por tener unas migajas, la falta de afecto y amor, el gatillo fácil, la pérdida de autoridad de la Autoridad.Gran fresco de un distrito, con cierta ambición a lo Scorsese de reflejar de manera coral, una época, un momento, una tragedia colectiva, nihilista, de falta de valores y de sentido.Los americanos saben como nadie sacar partido a sus rascacielos y a sus otros barrios más desconocidos, en la de Urbizu también se hace otro tanto con Madrid, aunque se centra más en los personajes que en la ciudad.Los americanos suelen saber crear una sinfonía moral (que no moralista en este caso, ya que no hay un bando definido de buenos y malos), no sólo en el cine, sino en sus obras literarias mayores. Gere, Hawke, Snipes, Ellen Barkin, etc..se dejan la piel en personajes nada agradecidos, ni heróicos, pero sí muy humanos.Las pelis de Urbizu suelen ser muy buenas, y siendo de un género muy yanqui, no pierden esencia de españolidad. Pero creo que los americanos aún saben hacer pelis de polis duras, ásperas y descorazonadoras, como el final de foto-fija de gere caminando hacia la cámara, como un delon, un belmondo ochentero acabado, que ha cumplido su deber con creces, pero que está solo

NOCHES DE MIEDO

2011-09-29T11:48:00.001+02:00

La nueva versión de NOCHE DE MIEDO no está mal. Tom Holland, escritor y realizador del film original ha imaginado también esta historia, y se nota para bien al conseguir por caminos distintos el mismo tono de comedia de terror adolescente, si bien las diferencias (no desafortunadas en su mayoría) engrandecen en el recuerdo la peli de los 80, que gana en encanto y puede que también en contundencia, ya que esta moderna NOCHE DE MIEDO parece no tomarse en serio (lo cual no es mala opción) casi en ningún momento, cuando su precedente sí conseguía alternar la hilaridad contenida con la gravedad de una masacre en el vecindario. El personaje del amigo friki del protagonista es más paródico en esta ocasión aunque se trate de dotarle de cierta entidad, intención que se diluye del todo en la secuencia de su muerte, artificiosa, cómica y gore como una versión algo infantil de un film de Sam Raimi, mientras que resultaba mucho más directa e incluso dramática en la primera versión.

Con todo, la peli puede parecer que comienza titubeante pero va ganando en interés (sin dejar su tono ligero) conforme avanza.

La presencia de buenos actores como Colin Farrell, Toni Collette y el protagonista, Anton Yelchin, visto en ALPHA DOG de Nick Cassavettes y en la reciente STAR TREK como un joven Chejov.

Mención aparte merece David Tennant (el penúltimo y mejor DOCTOR WHO) como Peter Vincent. Si en la NOCHE DE MIEDO ochentera lo interpretaba un maduro Roddy McDowall, veterano de films de terror de culto de los 60-70 y actor fetiche de la saga original de EL PLANETA DE LOS SIMIOS, que se investía como actor trasnochado de films clásicos de terror al estilo de los de la británica Hammer, que sobrevivía descreído como presentador de programas dobles televisivos de sus viejos éxitos, aquí Tennant es un Peter Vincent distinto (Peter por Peter Cushing, y Vincent por Vincent Price, actores clásicos del cine de horror angloamericano, guiño que ahora si pierde un poco), un falso ilusionista de Las Vegas (donde transcurre la acción), tan divo y vulgar como inspirado en David Copperfield, y tan cobardica como el encarnado por McDowall, lastrado durante el metraje por una facilona necesidad argumental de que sirva de comodín para todo de la trama (lo mismo tiene su salón repleto de un arsenal antivampiros convenientemente repartido siempre a mano que le da al protagonista todas las claves a seguir e incluso la solución última a sus problemas para forzar un final feliz agradable pero algo impostado).

Y es, por sus lagunas pero también por sus aciertos, que esta peli, en su superficialidad y tono me recuerda tal vez más a la sobrevalorada y entrañable JOVENES OCULTOS (también de los 80, de cuyas muy tardías secuelas solo recomiendo su tercera entrega, con el gran Corey Feldman recuperado como protagonista) que al film que versiona, aunque mantenga fidelidad al mismo a su manera. Pero me puede la nostalgia por el látex en detrimento de las imágenes digitales y la mojigatería de esta peli en cuestiones sexuales (habiendo adolescentes e incluso una stripper!! entre sus personajes), teniendo en cuenta la carnalidad que Farrell podría haber aportado a su personaje (lo hace solo a medias), que probablemente sí tenía el vampiro original encarnado por Chris Sarandon, que hace aquí un curioso cameo.

Destaca seguramente como momento de despegue definitivo de la peli el conseguido plano secuencia en el interior del coche, persecución que me recordó a una escena más breve pero con cierto parecido de LA GUERRA LOS MUNDOS de Spielberg.

Con todo, se pasa un rato divertido y no me desagradaría reencontrarme con los personajes en un remake futuro de ¡¡ NOCHE DE MIEDO 2 !!. A la salida del cine tuve una sensación de deja vú cuando vimos el cartel de otro remake: FootLoose

PADRE, MADRE,..HERMANO..

2011-09-25T12:08:00.001+02:00

Se intuye que EL ÁRBOL DE LA VIDA debería tener una duración de tres ó cuatro horas, para ser redonda del todo. A veces abrupta y tosca, como una videocreación, como una mente hiperactiva que quiere contar demasiadas cosas y no sabe muy bien como ordenarlas, esta irregular obra distinta, por momentos maravillosa y verdadera, que llega profundamente a la emoción, que recurre a la simbología onírica: puertas que se cruzan, ascensores hacia lo elevado, el mar, puentes que unen el más acá con el más allá y mundos lejanos sobrecogedores, merece muchos análisis y conversaciones a la salida de la sala.Primero el final, totalmente felliniano de 8 y medio (que inventó un género en sí mismo, la autobiografía onírica del artista), que te saca de la historia, aunque te la cierra con cierto sentido, y mezcla a los vivos con los muertos, como en el baile jocoso alrededor de la pista de lanzamiento de ese cohete que nunca se ve en la película maravillosa de Fellini. ( Y pienso en el final de Gattacca, con esos astronautas-ejecutivos, sentados dentro del misil-cohete que les lleva hacia las alturas, en esa metafísica imagen del super-hombre (mejorado) a la manera soviética ó filonazi).Segundo, el principio, cuando la madre explica los dos caminos que sigue el hombre, el de la divinidad o el de la naturaleza, aparentemente enfrentados, y que representan los dos progenitores. Ella, piadosa, sumisa y generosa. Él (un brillante Brad Pitt que borda un papel poco agradecido), que intenta enseñar con dureza la cara menos amable de la existencia a sus hijos, para que sean fuertes y puedan sobrevivir.Grandilocuente a la manera de un Kubrick redivivo, pedante a veces pero nunca superficial ni indiferente, muestra el inicio y el final de todas las cosas que conocemos, con la pregunta que muchos humanos han arrojado a dios desde el comienzo de la espiritualidad y el temor a la vida. Si existes, ¿por qué nos envías estas penurias? Si dices que somos tus hijos y nos amas, ¿por qué nos haces daño?Cuando se contemplan las imágenes inmensas e inabarcables de un universo poderoso y destructor, donde el hombre no es nadie, se siente temor y sobrecogimiento, como se nos ha enseñado en la tradición judeo-cristiana.En un sermón del pastor (presumo que protestante) de la iglesia donde van los protagonistas, éste cuenta la historia del Santo Job, que amaba a dios aunque éste no le enviara más que penuria y sufrimiento, y enseña que incluso, en el padecimiento, dios no te abandona, es justo ahí donde se nota su presencia, y eso nos hace mejores. Puede entenderse desde ambos ámbitos, desde la pasiva resignación ante fuerzas naturales que uno no controla, o la motivación para luchar que da la adversidad para sobreponerse a ésta. El padre, que es ese dios cariñoso y a la vez terrible para sus hijos (el dios judeocristiano), una vez que conoce la adversidad, pierde el trabajo ó lo degradan, se vuelve humilde y le dice a su hijo mayor que él no es nadie y que ellos son lo mejor que ha hecho en la vida.Ignoro si Terrence Malick es creyente o agnóstico, ateo creo que no debe ser, pero esta película es profundamente religiosa y espiritual al plantear la esencia misma de la vida humana sobre el planeta, y su sentido, si lo tiene, para aún permanecer sobre su superficie.Lo que no tengo muy claro es si las dos vías, la divina (espiritual y generosa), y la natural (egoísta, materialista y de pura supervivencia, según la película), sean dos caminos divergentes, porque las especies, si quieren sobrevivir a un entorno hostil, muchas veces provocado por ellas mismas, también pueden colaborar entre sus distintos miembros y fomentar el altruismo y la solidaridad. No es algo exclusivamente humano, las plantas y los animales lo hacen. ¿Qué esté Dios ahí?
Eso ya no lo sé, que cada uno, según sus creencias, formule su propia respuesta.

COWBOYS & ALIENS: LA TROPA DE STARGIRL

2011-09-06T01:02:00.006+02:00

Llama la atención de COWBOYS & ALIENS lo bien rematado que está el sencillo argumento de un film sin pretensiones que parte de una premisa muy básica - está inspirado en un póster conceptual concebido para atraer el interés en producir la película cuando no tenía ni siquiera un guión, que a su vez alentó el cómic que adapta la historia del film antes de sus más recientes y definitivas revisiones, un lío - y el ritmo trepidante aunque alejado de lo confuso y nerviosamente acelerado que predomina en cierto cine de acción, volviendo a uno más ochentero (como SUPER 8), pero también más adecuado para el contexto de un western.

Es curioso que una peli tan despreocupada como esta sea de las pocas (junto con tal vez la más seria y espiritual COMMUNION y la no tan marciana MOTHMAN) que transmite el sentimiento de profunda extrañeza que produce en los contactados la abducción o el fenómeno OVNI, como algo de una naturaleza incomprensiblemente absurda.

El reparto es también uno de los aciertos, reunido en un grupo de pistoleros tan variopinto como el de la olvidada y recomendable SILVERADO, e incluso Harrison Ford demuestra que puede todavía componer un buen personaje hecho a su medida reciclando los tics clásicos que le hicieron popular hace décadas. Por cierto, a ver si no encontráis cierto paralelismo entre un breve momento de acción de esta peli y otro de INDIANA JONES Y LA ULTIMA CRUZADA, cuando Indy y su padre ejercían de caballero y escudero de torneos medievales embistiendo con su sidecar a un motorista nazi, lanza (por así decir) en mano. Y verle liderar a unos apaches contra alienígenas muy similares a los descritos en los relatos de John Carter de Marte (verdes, grandes y con 4 brazos) vale la pena para los fans del western raro, como lo fueron EL VALLE DE GWANGI (film de los 60 con dinosaurios) o DRACULA CONTRA BILLY THE KID (el título lo dice todo). Aunque entre mis favoritos está la teleserie que en los 90 perpetró el bueno de Bruce Campbell titulada LAS AVENTURAS DE BRISCO COUNTY JR. Lo llamativo de COWBOYS & ALIENS es que, más que a su propio cómic, bastante soso, me recuerda a unas aventuras de TOM STRONG en las que todo un pueblo del salvaje oeste era abducido por aliens y un cowboy de tres ojos se erigía en héroe a lomos de una moto voladora. Puro western.

Almodóvar y la Nueva Carne

2011-09-04T17:43:00.002+02:00

Desde que vi el primer episodio de Nick y Tuck, la serie americana de los dos peculiares cirujanos plásticos, con sus historias retorcidas y surrealistas de cambios de sexo, operaciones extravagantes y líos sentimentales que rozaban la psicopatía, creí entrever un nexo común con el mundo almodovariano y también, del primer Cronemberg. No es ésta una película estríctamente de género, es profundamente almodovariana en el sentido de que este autor ya ha creado un estilo y una marca que ha inspirado series y cineastas. Quizá no conscientemente, pero Mujeres Desesperadas tiene algo de Mujeres al borde de un ataque de nervios.

Si "Los abrazos rotos" ya marcaba una transición entre el tono más hispánico y costumbrista de "Volver" hacia otro más internacional y europeo, "La piel que habito" es su primera película americana. Y n o es sólo porque lo distribuya la Warner, sino porque se agradece la interpretación contenida y sólida de Banderas, que tiene la presencia de un actor americano clásico, y la química insondable de la mejor Elena Anaya, que crea un personaje sensual y profundo, que crece aún más cuando ya conoces su "secreto".Almodovar no ha abandonado su cine de temática homosexual, y consigue un guión tan elaborado, que es capaz de venderte un argumento gay a un público heterosexual mayoritario, sin que te des cuenta. También porque trasciende la mera orientación sexual, y crea un sentido que va más allá, el de la identidad, ¿qué nos hace mujeres y hombres?. Almodóvar maneja con sabiduría los elementos eternos de su cine, para utilizarlos en una trama diferente y más cercana a géneros norteamericanos, o sea, globales.Pero mantiene algunos defectos algo irritantes, el abuso del flashback, que ralentiza la película haciéndola por momentos, aburrida, y cierta pedantería posmoderna que le une a su ahijada Isabel Coixet. Y del final, aún no me he recuperado, pues de tan malo y ridículo, es bueno, ya que comprendes al personaje de Vera, ¿quién va a creerle después de todo lo que ha pasado? ¿Cómo puedes contar algo así?

TRIANGLE

2011-08-30T23:30:00.003+02:00

TRIANGLE es una interesante coproducción angloaustraliana de 2009, en asociación con ICON, la compañía de Mel Gibson, e inédita en las salas españolas. Realizada por Christopher Smith, director de la también estimable e inédita BLACK DEATH (reseñada recientemente en este blog), es un desasogante y muy entretenido film cuya historia podemos comparar con un cruze a medio camino entre CALMA TOTAL, de Philip Noyce, y LOS CRONOCRÍMENES, en un entorno similar pero mucho más aterrador que el de GHOST SHIP.

Su estructura de paradojas encadenadas está tan bien dispuesta y resulta tan atractiva que merece un revisionado, además de apoyarse firmemente en los actores, sobretodo en un excepcional trabajo de composición de Melissa George, protagonista absoluta, que logra hacernos pasar de lo conmovedor a lo inquietante en un clímax continuo, conseguido también por un sentido encomiable de lo cinematográfico, recordándonos una vez más que un buen guión bien aprovechado es probablemente una buena película, como ocurre también con la muy distinta y reciente SIN IDENTIDAD, de Jaume Collet Serra, thriller en principio de tópica premisa que se revela como muy recomendable.

HISSS!!

2011-08-29T23:00:00.003+02:00

HISSS es la prueba de que Jennifer Lynch no ha mejorado demasiado como narradora desde que hace décadas debutara en la dirección con aquel bodrio curioso de MI OBSESION POR HELENA (BOXING HELENA), pero también de que ahora es mucho más divertida.

Si su opera prima dejaba un poso de decepción por desaprovechar una premisa tan prometedora como enfermiza (entre otros elementos), HISSS es honesta desde el principio, ofreciendo un entretenimiento que hace de lo gratuito su bandera. El género de las mujeres serpientes resulta insólito en occidente pero está fuertemente asentado en varios países de oriente, siendo la India el más conocido, y el mostrar desnudos sugerentes de chicas guapas, su objetivo más habitual, en una suerte de destape mitológico de terror.

Entre las producciones occidentales referentes al mito de la mujer serpiente sólo recuerdo una antigua producción cuyo título desconozco que atribuyo a la mítica HAMMER (tal vez erróneamente), y cuyo argumento estaba cocinado al estilo y gusto de las producciones de la época.

Muy al contrario, HISSS es un breve festival (aún así dilatado en exceso) del divertimento y el despropósito festivo, con gore de serie Z, efectos de maquillaje económicos pero resultones gracias a la compañía estadounidense KNB, algun número musical tan inevitable como innecesario e hilarante, un punto de melodrama y policíaco absurdo, y con un repugnante mad doctor que acapara escenas sin sentido, pero donde las secuendias que se limitan a mostrar la belleza de Mallika Sherawat, ejerciendo de hermoso reptil cual la Diana de la serie V original, ya sea ingiriendo unos huevos de cocodrilo o trepando por una farola son donde tal disparate encuentra su razón de ser, al menos en lo estético. Además canta uno de los temas de la banda sonora, de lo mejor de la cinta, compuesto por Julian Lennon.

Lo mejor y lo peor

2011-08-28T20:26:00.004+02:00

De casualidad, como le ocurre a Eiyeljasel en sus visionados nocturnos e intempestivos, he encontrado hace pocos minutos, el final de la película "Libro Mágico", con Aaron Eckhart, en la programación de Telemadrid. Las películas y las series son lo único bueno de esta emisora regional madrileña. Me ha gustado la fotografía, la temática fantástica, y sobretodo, la bonita banda sonora de Philip Glass, que se ha prodigado poco en el cine, aunque aún recuerdo su partitura en Candyman. (Aquí le hago un guiño al Tony Todd de Destino Final 5 y a Eiyeljasel. Al igual que la tele, a veces te sorprende con pequeñas joyas, la red te amarga con bodrios típicos de ejercicio final de Imágen y Sonido. Como Minty la asesina, que aún no comprendo que interés friki puede tener, habiendo tanta peli japo de adolescente gótika mucho mejor. Será por este nuevo revival de lesbianas vampiras, pero en este caso, Minty la guarrona es aburrida y operada. El dinero que cuesta bajársela, mejor dicho, el tiempo, es un desperdicio. No la llegué a ver entera porque de mala que es, nisiquiera te ríes.

THE COMPANY MEN : NO HAY NADA PERSONAL

2011-08-28T20:05:00.004+02:00

Si no fuera porque el trabajo ocupa 1/3 de la vida, que nos piden implicación, automotivación, sangre, sudor y lágrimas, y relacionarnos con gente que no hemos elegido, no sería un asunto demasiado personal. Cuando te despiden, parece que no lo es. Te dan las gracias y te racanean todo lo que pueden la indemnización. Y a empezar otra vez. Pero esta crisis económica nos ha dado también a los trabajadores la mejor excusa para que el trabajo, ese tótem de nuestra civilización, no sea tan apabullante en nuestras vidas. No depende de lo que hagas ni cómo lo hagas, mañana puedes estar en la calle por un asunto de cuadres numéricos ó por un mal cierre de contabilidad. La vida sigue.
The Company Men podría ser la versión americana de Los lunes al sol, pero en el mundo de los ejecutivos, aunque de refilón salgan astilleros, como en la peli española de Aranoa. Y me gusta que de vez en cuando, los americanos, retraten también a la clase trabajadora, y no me refiero sólo a los ejecutivos, sino a la pequeña empresa y al obrero, al que representa aquí en un buen papel Kevin Costner. Es realista, y ciertamente optimista, no pueden evitar poner un final felíz, porque el sueño americano manda mucho y los libros de autoayuda y motivación son invento suyo,

THE BLACK DEATH:EL ÚLTIMO VALLE

2011-08-28T12:30:00.003+02:00

BLACK DEATH es una peli europea de 2.010 inédita en los circuitos comerciales españoles. Dirigida por Christopher Smith (autor de otra pieza interesante por descubrir, TRIANGLE, con Melissa George), es un relato medieval que se aproxima a los de atávica violencia y épica oscura de Neil Marshall (DOOMSDAY y CENTURIÓN, entre otras), pero cargando las tintas en una atmósfera terrorífica sostenida entre lo levemente alucinógeno y la contundencia de un slasher arcano próximo a la estética torture porn en alguna secuencia (¿no es la leyenda negra medieval sino un largo cuento de horror?).

Pero BLACK DEATH es también una fábula nihilista sobre la muerte irremisible de la inocencia, encarnada por el joven monje Osmund (Eddie Redmayne, de la serie LOS PILARES DE LA TIERRA), en un mundo de hostilidad insalvable, donde duros fanáticos inquisidores como Ulric (Sean Bean, Boromir en EL SEÑOR DE LOS ANILLOS y Eddard Stark en JUEGO DE TRONOS) ejercen de cazadores, torturadores y ejecutores de gentes ya de por sí muy castigadas por desgracias como la peste bubónica, y se enfrentan en un conflicto sin cuartel con un aislado matriarcado pagano gobernado por la despiadada Langiva (Carice Van Houten, protagonista de EL LIBRO NEGRO de P. Verhoeven y vista también en VALKYRIA), que recuerda al de sendas versiones de THE WICKER MAN (1973-2006), en una explosión de violencia que amenaza con acabar con cualquier posibilidad de redención.

Contrastes: Si en EL AGUILA DE LA LEGION, un momento llamativo es el de los antiguos y envejecidos romanos de la legión perdida retomando sus armas para una última batalla con una apariencia marcadamente celta y bárbara por su deserción durante décadas entre esas gentes, en BLACK DEATH un breve instante sugestivo es el de la procesión cristiana que camina por un riachuelo, con un aspecto de rito nórdico pagano más propio de hechiceros que de creyentes.

Es cierto que BLACK DEATH recuerda, además de levemente a los films recientes mencionados, al recomendable clásico de los 70 EL ÚLTIMO VALLE, con Omar Shariff y Michael Caine. No es mala referencia.

DEMONS: THE LAST VAN HELSING

2011-08-24T23:16:00.002+02:00

DEMONS: THE LAST VAN HELSING es una teleserie británica de 6 capítulos producida en 2.009. Protagonizada por Philip Glenister (el poli rudo de LIFE ON MARS y ASHES TO ASHES) como un veterano cazador de vampiros que bien podría ser una prolongación del encarnado por Anthony Head en BUFFY CAZAVAMPIROS, (del que se rumoreó entonces que tendría aventuras propias en su Inglaterra natal) ya que la serie aprovecha en parte planteamientos superficiales de aquella, e incluso ambos personajes comparten el mismo nombre (Rupert). Las aptitudes del joven Luke (Christian Cooke) como guerrero nato o la biblioteca oculta de los Van Helsing como previsible base de datos y operaciones son coincidencias nada casuales con las primeras aventuras de Buffy, aparte de cierto tono camp que los ingleses han sabido siempre aprovechar con talento. También se ve un ligero trazo steampunk en la estética de los utensilios de los cazadores, al estilo del contraste entre estos artilugios y el mundo real que se exhibe en la simpática ALMACEN 13. Un divertimento para los fans de este tipo de historias ligeras y sin complejos de producción, entre los que me cuento.

CONAN EL BÁRBARO: TRONAK EL KÁRBARO!!

2011-08-23T11:32:00.002+02:00

Este nuevo CONAN EL BÁRBARO es tan entretenido como olvidable. Eso hará que el tardío aunque siempre oportuno y esperado regreso de la franquicia del cimmerio genere intensos rechazos al menos entre los que han situado sus expectativas a la altura del recuerdo del estupendo film de John Millius (que no de sus inferiores secuela y spin off) o a la de los mejores cómics clásicos y actuales de las aventuras del bárbaro.

El desenlace, de nula intensidad, tampoco ayudará a un buen sabor de boca, pero siendo justos y olvidando referencias pasadas la peli se deja ver, y en algunos momentos creemos estar ciertamente en la era Hyboria de pictos, ladrones y brujos, de una crudeza violenta necesaria y estética, mientras que en otros solo nos distraeremos con un film de acción farragosa y poco lucida, estilizada a ratos.

Más que necesitar comparaciones odiosas con sus filmes precedentes, es mejor situarla entre películas inferiores del género, que fueron la mayoría en los 80, engrandecidas por el paso de los años en el recuerdo como las modestas y encomiables EL SEÑOR DE LAS BESTIAS y ATOR EL PODEROSO, o la posterior KULL EL CONQUISTADOR, para que el actual Conan gane en dignidad.

Pese a lo plano y poco interesante de personajes y situaciones, no está mal perfilado el origen y personalidad de este Conan, con guiños a historias de los cómics que jamás se plasmaron en los films anteriores.

Entre las virtudes de la historia destacarían Ron Perlman, y toda la primera mitad de la película aproximadamente, por su contundencia, y entre lo más lamentable desperdiciar a una buena actriz y morbosamente atractiva (además de preparada para escenas de acción compleja) Rachel Nichols en un papel flojo como pocos. Aún así, el film trata de equilibrar a medias la mojigatería reinante en materia sexual en el cine actual de Hollywood (el de mayor presupuesto) y no desagrada del todo, al contrario, y espero que genere posibles continuaciones que puedan mejorar el nivel de las nuevas aventuras del aventurero asesino.

Pese a que los parecidos con el primer film del bárbaro son mínimas, no deja de parecerme un poco remedo de aquel, como aquella copia mala que SUPERLOPEZ y sus amigos intentaban rodar en la aventura LA GRAN SUPERPRODUCCIÓN, titulada TRONAK, EL KÁRBARO.

SUPER 8 : CONTAGIO DE VIDA

2011-08-22T09:46:00.003+02:00

Super 8 adolece de los mismos defectos que la serie "Perdidos". Plantea situaciones y personajes muy sugerentes, y todo lo desperdicia con giros de guión demasiado rápidos, poco creíbles y ninguna explicación al por qué de las cosas que van sucediendo. Pero para ser justos, el comienzo y los personajes juveniles valen la pena, recrea muy bien a aquellos chavales de las pelis de los 80 producidas por Spielberg y dirigidas por Joe Dante, Richard Donner, etc.. Están muy conseguidas las escenas del rodaje de la cutre peli en super 8, y esa inocencia de nuestra infancia, la ilusión de los chavales que se meten por todas partes con su bici, que investigan y se reúnen clandestinamente en los cuartos de sus amigos. Los rostros de esos adolescentes son muy similares a los de los chicos de los 80 que aparecían en Los Goonies, pero las situaciones son excesivamente espectaculares, hay demasiadas explosiones. En Cuenta Conmigo, lo importante eran las relaciones entre ellos, el descubrimiento de la muerte, el asombro ante la vida y sus conflictos. Aquí hay mucho homenaje al maestro Spielberg, pero no la magia que yo recuerdo de aquellas películas. Quizá porque ya soy mayor, quizá..

(La peli que los protagonistas ruedan en super-8, aprovechando el paisaje destruido provocado por el Accidente, los ensayos tan buenos de la chica, y ese maquillaje tan encantador de zombi, es, en mi opinión, lo mejor de la cinta, porque refleja con cierta verdad, el contagio de vida real que hay siempre en cada rodaje, en cada película)

MUERTES ABSURDAS : DESTINO FINAL 5

2011-08-20T11:30:00.001+02:00

Al hilo de esto, aunque pueda parecer que no tiene nada que ver, quiero mencionar ese otro género morboso e impúdico, muy de internet, que son las muertes absurdas. No me refiero a las atrocidades y asesinatos grabados con cámaras de móviles, videocámaras o cámaras de seguridad del mundo entero, sino a las dramatizaciones de muertes ridículas que ahora emiten hasta los telediarios, y que tienen programas propios en algunos canales.
Destino Final comenzó como una saga de terror gore adolescente, al estilo de chavales masacrados por un psicópata, con la originalidad de que el asesino retorcido y metafísico era la propia Muerte, que se buscaba las maneras más extravagantes y absurdas de vengarse de los protagonistas cuando éstos la engañaban. Desde el principio de la década, he asistido como un fan a cada una de las secuelas, que he visto por la tele, en el videoclub, por la red, etc..Unas mejores que otras, han destacado por una visión costumbrista de tipos juveniles americanos, en el mejor de los casos, o por una sucesión de muertes truculentas sin más, en el peor.
Recuerdo qued en la cuarta entrega, la primera en 3d, la muerte empezaba cargándose a los más estúpidos y finalmente mataba a los más inteligentes y sensatos, como en esta quinta parte. En ésta, la metáfora es el mundo laboral, el paro, la crisis económica, y la Muerte parece más una cara de la inestabilidad y precariedad que amenaza a gente jóven que quiere sobrevivir en el sistema. Es curioso que uno de los últimos en morir, sea un joven negro siempre en pelea con un veterano sindicalista que se la tiene jurada. Y dos amigos, que a la vez, son competidores dentro de la misma empresa, más un jefe idiota que siempre tiene que demostrarlo con su autoritarismo. Y el compañero pelota e insolidario que quiere ligarse a las colegas de trabajo. Obviamente tiene una muerte mucho más absurda que el resto. Por eso, por el humor negro y la mala leche, bastante cómica, y el final cruel y dramático de la pareja que mejor caía y que menos merecía morir, creo que sin ser una maravilla, esta parte sea de las mejores, e intente volver al espíritu de la primera película de la saga.

WEBSERIES EN LA MAZMORRA

2011-08-15T23:16:00.005+02:00

Naufragando por la red, entre las webseries que parodian el mundo del Rol, el WoW y el D&D, las más destacadas, mejor hechas y con más gracia que he encontrado o recuperado son la veterana THE GUILD (ya por su quinta entrega), JOURNEYQUEST y THE GAMERS, estas últimas producidas ambas por http://deadgentlemen.com/.
Felicia Day en una imagen promocional de su nueva webserie tras THE GUILD, DRAGON AGE:REDEMPTION.
THE GUILD, la hilarante sitcom sobre un grupo de jugadores compulsivos y antisociales del WoW.
El grupo de Roleros clásicos de THE GAMERS.

TEEN WOLF, SIN PELO EN PECHO

2011-08-15T12:08:00.004+02:00

Cuando vi las primeras imágenes de la nueva teleserie TEEN WOLF sentí el temor de que este moderno lobo adolescente se alejara definitivamente del original para asemejarse a la saga CREPÚSCULO en toda su gazmoñería. Afortunadamente, aunque algo de eso puede haber y si bien el modelo que sigue no es cercano al del film original protagonizado en los 80 por Michael J. Fox, distanciándose de la comedia de situación absurda con aquellos licántropos familiares y bonachones que parecían monitos y, seguramente gracias al enfoque que le aportan sus actuales responsables, entre los que destacan el productor/director Russel Mulcahy (que será recordado sobretodo por LOS INMORTALES y algunos films más, como RICOCHET y LA SOMBRA, y olvidado por otros muchos) y el escritor de cómics/guionista Jeph Loeb (capaz de lo mejor y casi lo peor en medios gráficos y televisivos), una de las cabezas pensantes de SMALLVILLE, tan adictiva como en general decepcionante, pero cuyo planteamiento de mala copia de BUFFY CAZAVAMPIROS es recuperado y en principio reaprovechado con mayor coherencia y atino en el primer episodio de TEEN WOLF.

En la primera parte del episodio (de apenas 40 minutos), se muestra de forma entretenida la presentación de personajes y la aparición de las capacidades especiales del protagonista (que esta vez no es un licántropo de nacimiento, sino mordido por otro), de una forma que puede recordar a cuando se hacían patentes las mismas al comienzo de SMALLVILLE (hace ya 10 años, puede que en sus mejores capítulos). Pero cuando todo parece indicar que vamos a ver a un hombre lobo tratado como un superhéroe hacen aparición otros aspectos más clásicos e interesantes de la licantropía (el instinto violento, la amnesia matutina..) y algunos que incluso recuerdan a la peli original (el prota se convierte en una figura del deporte escolar, en este caso el lacrosse, aunque sin necesidad de una transformación completa).

Jason Bateman fue el lobo adolescente en TEEN WOLF 2.

La metamorfosis en lobo tiene algo de espíritu de film ochentero de serie b, aunque no tan radical como el de las recordadas AULLIDOS o UN HOMBRE LOBO AMERICANO EN LONDRES sino más cercana al modelo de LOBO, con Jack Nicholson, y con mucho menos pelo que EL HOMBRE LOBO de Lon Chaney Jr., Benicio del Toro o Paul Naschy.

La profusión de melodías pop rock nos recuerdan que la Mtv fue una vez una emisora musical (cadena para la que la MGM produce la serie) y aportan dinamismo a una historia sencilla y trillada pero agradecida que se sigue con interés por saber como continuará, aunque el inevitable ribete romántico augure lo peor.

Un joven Michael Landon en YO FUI UN HOMBRE LOBO ADOLESCENTE.

ONCE:UNA VEZ

2011-08-09T15:07:00.000+02:00

La historia de amor entre músicos de ONCE puede no parecer especial, como la de los viajeros perdidos de MONSTERS, pero si bien en esta última la escena final del film nos atrapa y deslumbra con su romanticismo alienígena y cinematográficamente poético, en ONCE la intensidad de las canciones y los sentimientos que evocan son los que seducen, en unas escenas curradas como un video musical indie permanente y agradable, que no apetece que termine.

En ambas pelis, tal vez una de las claves sea el trasladar la química de una pareja real a los personajes que encarnan, y que eso se filtre al espectador sin traicionar lo que se cuenta, al contrario, potenciándolo.

CAPITÁN AMÉRICA: EL PROYECTO MARVELS

2011-08-09T15:05:00.002+02:00

Si os gusta CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR, quedaos hasta el fin de los créditos (amenizados por la hilarante canción en castellano de las coristas del capi, dan ganas de comprar bonos de guerra) tras los que veréis la escena bonus habitual más un breve adelanto de la próxima LOS VENGADORES que justifica el desenlace del film que puede resultar prematuro y fuera de tono para los que no sepan que la franquicia forma parte de un universo mayor que se lleva configurando desde IRON MAN. Asgard y la mitología de THOR enlazan también con el argumento de esta primera aventura de Steve Rogers, con un enfoque similar al que se le daba a aquella en lo relativo a la naturaleza divino-científica de los míticos nueve mundos nórdicos, sin que falte ese aire clásico de aventura pulp deudor del inevitable Indiana Jones, en cuanto aparecen por allí nazis con aire místico y ansias de conquista, y un galán algo patoso para hacerles frente.

Y una de las virtudes de la cinta que tan buen sabor de boca está dejando es, sin ser una gran película, su clasicismo, que no descuida a los personajes, como tampoco lo hicieron los dos primeros SPIDERMAN o incluso el primer IRON MAN. Se les permite a grandes actores como Stanley Tucci y Tommy Lee Jones imprimir humanidad a sus papeles más allá de un forzado carisma, e incluso Toby Jones salva a su Arnim Zola de quedarse sólo en el alfeñique que da réplica al malvado Cráneo Rojo, quizás el villano que carece de mayores matices pero que se basta con la presencia que le aporta Hugo Weaving (Recordad que fue capaz de crear toda una personalidad tras la máscara permanente de V DE VENDETTA, aunque este cráneo recuerde más a un villano puro como el de la saga MATRIX) Además, el hecho de estar situada la historia en la segunda guerra mundial, da un aire propio al film que lo distancia de otras propuestas semejantes sobre el origen de un héroe, con no pocas coincidencias con otros iconos de la Marvel como los mencionados.

Que Howard Stark, padre de Tony IRON MAN Stark, y el nazi Arnim Zola formen parte importante de la trama, al igual que se mencione el Vibranium (mineral metal puro exclusivo en los cómics de Wakanda, el país africano hogar del héroe PANTERA NEGRA) como materia prima del escudo del capi, o se sugiera la posible fuente de energía original de la tecnología repulsora de la armadura IRON MAN, la presencia destacada de los comandos aulladores de Dum Dum Dugan (el tipo de los bigotes y el bombín) además del inevitable cameo de Stan Lee, son esas cosas que los fans de los cómics agradecemos, al igual que los agradecimientos finales a Jack Kirby, Joe Simon (Creadores/Revitalizadores del personaje), Ed Brubaker, Steve Epting (responsables de las andanzas en papel actuales del capi desde hace años, de las que se toma buena nota para el film) y Mark Millar, Bryan Hitch (autores de LOS ULTIMATES, enfoque renovado sobre el capi y los vengadores de los que Marvel se ha inspirado para plantear su universo en el cine).

Me quedaría con muchos momentos divertidos del film, pero uno más bien friki que disfruté especialmente fue ver en pantalla grande al cráneo sosteniendo el cubo cósmico en su mano, impagable viñeta.

NOSOTROS LOS HUMANOS

2011-08-07T09:23:00.002+02:00

Recuerdo haber visto en la tele la saga del Planeta de los Simios, no sé si 5 ó 6 partes, a cada cual peor que la anterior. Sé que la primera vez que vi completa la primera película, la de Charlton Heston, me quedé impactado. Me pareció una buena reflexión sobre el ser humano como especie en el planeta, y una cura de humildad acerca de nuestra arrogancia y soberbia con respecto a nuestros hermanos animales. Yo no sé si El Origen del planeta de los simios pone a cero el contador de la franquicia, pero lo que sí me parece es que es una buena película dentro de su género. Narra la progresiva humanización de un simio de laboratorio, y la pérdida de inocencia de éste con respecto a los humanos, y consigue que cale su mensaje humanista y ecologista, de denuncia del maltrato que inflingimos a nuestros hermanos los simios, el grado de crueldad al que podemos llegar los que nos denominamos seres humanos, y sobretodo, el procedimiento de cómo se crea un liderazgo revolucionario en el corazón de un grupo reprimido, un mensaje bastante actual viendo como va el mundo, atentos los integrantes del Movimiento 15-M.*Se oyen rumores de que la interpretación del simio (humanoide) César por Andy Serkis, podría ser merecedora de una nominación al Óscar.

PRIMERA SESIÓN

2011-07-30T13:17:00.000+02:00

De crío, Indiana Jones no era mi único héroe. Ir al cine era algo realmente especial, pero la mayoría de las películas las veíamos en televisión, y en esta disfrutaba con las peleas simpáticas entre el beato Don Camilo y el comunista Peppone, reflejo de las dos Italias de la postguerra que aún parecen existir, me reía con las desventuras del gendarme Louis de Funnes y sus astracanadas, con Vittorio de Sica persiguiendo exhuberantes señoras en blanco y negro y una reluciente sonrisa. Con el forzudo Steve Reeves, ya fuera en un peplum o una de Sandokan, con los muchos rostros que encarnaban a héroes mitológicos como los Argonautas y los marinos de Simbad, sin saber quien era el tal Harryhausen al que se le daba tan bien animar monstruos y esqueletos con espadas. Con Sabú volando agarrado a la coleta del gigantesco genio de la lámpara como inspirando al Atreyu de LA HISTORIA INTERMINABLE, las producciones alemanas de las Mil y una Noches y también las americanas de la Republic Pictures que tan descacharrantes y coloridas resultaban.
Peter Ustinov dando grima como decadente romano, divirtiendo como hombre perro de Brooklyn o fantasma pirata de la Disney, incluso calando ironía como Hércules Poirot.
Esa infinidad de orientales émulos de Bruce Lee que se debatían siempre en los mismos conflictos violentos de honor y pelucas ("..mataste a mi maestro, prepárate a morir con mi nuevo y secreto golpe!!..") en películas de Hong Kong. Jean Paul Belmondo y su nariz de boxeador repartiendo golpes con su cínica y triste sonrisa, Alain Delon, mejor en sus aventuras de capa y espada que en los policíacos. Por supuesto, Terence Hill y Bud Spencer, los que más han sobrevivido en las parrillas televisivas, pero también los western y las comedias picantes de Giuliano Gemma y Ornela Mutti, las pelis de monstruos nipones gigantes y sobreactuados, los chuscos melodramas criminales turcos, las coproducciones de Fu Manchú con Christopher Lee, la Hammer, esas peleas imposibles de Waldemar Daninsky con vampiros y yetis, Jorge Negrete cargando con sus canciones en producciones mexicanas de espadachines, Johnny Weismüller y los tarzanes que le siguieron, pero ninguna como aquella su Jane.
Ahora que pienso, si la media sonrisa boba y atractiva de Indy en algunos momentos es algo característica, antes de él una amplia sonrisa de dientes blancos parecía algo común. En Burt Lancaster y sus héroes saltimbanquis y sus westerns, Stewart Granger, Errol Flynn y los mencionados antes, entre otros muchos.

LA TRAMPA DEL MAL

2011-07-30T13:13:00.000+02:00

LA TRAMPA DEL MAL (DEVIL) es la primera entrega de The Night Chronicles, pelis de terror y suspense al estilo Alfred Hitchcok Presenta pero concebidas para la pantalla grande.
DEVIL es breve y muy entretenida, la banda sonora (lo mejor de la cinta, que no potencia y subraya las imágenes, sino que las eleva más allá de sus posibilidades) es obra de un español y la premisa está bien resuelta, si bien su resolución resulta simplona e ingenua si la comparamos con otras muestras recientes de cine demoniaco como PARANORMAL ACTIVITY, EL ULTIMO EXORCISMO, INSIDIOUS o incluso EL RITO.
Si su desenlace es coherente pero algo decepcionante, el arranque de la cinta es por el contrario brillante, sugiriendo con un vuelo invertido por el cielo de Philadelphia seguido de una serie de planos secuencia y acompañados por esa música poderosa e inquietante que lo sobrenatural y anormal ha hecho aparición, descuadrando las normas elementales del mundo. Por ello, lo que podría haber sido un interesante ejercicio de claustrofobia sicológica queda en un buen vehículo para pasar un rato entretenido, que no es poco.

TEMPLARIO: EL GUERRERO CATORCE

2011-07-28T11:34:00.002+02:00

James Purefoy se confirma en TEMPLARIO como héroe de fantasía épica con sabor británico, tras protagonizar SOLOMON KANE, de la cual también coincide con otro actor más secundario, aquí arquero, en aquella desquiciado sacerdote, y sobretodo recordado por la saga Disney PIRATAS DEL CARIBE como esmirriado pirata y alivio cómico.

La historia es de una crudeza sangrienta admirable, sin concesiones comerciales para todos los públicos, aunque se hubiera agradecido una explosión de erotismo explícito (al menos en una escena concreta) al estilo sucio de Jean Jacques Annaud en EL NOMBRE DE LA ROSA, que sirviera de resolución a una tensión sexual patente e intensa entre el sacerdote guerrero Marshall y el personaje de la siempre cautivadora Kate Mara

Grandes actores les acompañan en roles importantes, como Brian Cox, Derek Jacobi, Jason Flemyng y Charles Dance, además del adecuado (por exagerado) histrión shakesperiano Paul Giamatti como villano y la agradable sorpresa que es Vladimir Kulich, retomando su personaje de jefe vikingo que bordara en EL GUERRERO Nº 13.

Por otro lado, se ha incidido mucho en la condición de serie B de la producción, pero pese a sus posibles defectos, esta es impecable, y si ejemplos de cine épico como este y la reciente CENTURION son considerados menores, desde luego están enseñando en ocasiones a las superproducciones de estudio cómo hacer buenas películas de género que perduren.

INSIDIOSO!!

2011-07-28T11:33:00.002+02:00

INSIDIOUS, con algunos de los artífices de SAW y PARANORMAL ACTIVITY en su producción (sendos pelotazos del género de la década), se propone como una prolongación de los argumentos de la saga PARANORMAL pero apoyados en una narración clásica en lo cinematográfico, alejada del lenguaje digital subjetivo de falso documento real que es característico en el film de Oren Peli y su secuela.

Incluso una de las casas escenario de la acción parece casi idéntica al de sus precedentes, pero donde las pelis de PARANORMAL ACTIVITY son pura economía de medios y de imágenes explícitas, INSIDIOUS sabe jugar las cartas opuestas a la perfección, saturando los nervios del espectador con imágenes grotescas y ruidos estridentes que trascienden el mero susto incidental para recrear un ambiente malsano, desencadenando una efectiva pesadilla que resulta convincente y estremecedora, si bien arriesgada, pero que sabe rodear la línea que separa lo sugestivo de lo ridículo, pareciendo a ratos un relato de aterradores fantasmas al estilo de una moderna OTRA VUELTA DE TUERCA o LOS OTROS, y luego moverse sin que chirríe a una fantasía perversa con un negro punto cómico como las que perpetraba William Castle en sus 13 FANTASMAS y HOUSE ON HAUNTED HILL (las versiones originales quizás más que sus efectistas remakes de hace años).

También puede resultar cierta la influencia que algunos críticos observan en la cinta del actual cine de terror español, que con títulos que todos recordamos (en su mayoría) ha subido la apuesta en cuanto a poner cardiaco al público como lo hizo en su día el imitado cine oriental.

A bote pronto, tal vez la peli española que puedo recordar se le parezca más en su personal apuesta, sin mayores coincidencias, es DARKNESS de J. Balagueró.

Bárbara Hershey, siempre bella tras un probable pacto con el diablo, acompañada de un peculiar grupo de cazafantasmas dan un toque de film de los 70 a INSIDIOUS, improbable secuela bastarda de EL ENTE, previsible sólo hasta cierto punto, y que junto a DEAD SILENCE (SILENCIO DESDE EL MAL), de los mismos responsables, constituye una propuesta interesante que aúna claves contemporáneas y un retorno al cine de horror clásico propio de Hollywood con un punto psicotrónico, algo así como lo fue también el primer slasher onírico de la original PESADILLA EN ELM STREET de Wes Craven o la reivindicable serie B JEEPERS CREEPERS, tal vez algo fallida pero menos de lo que fueron otras propuestas que apuntaban maneras similares como la olvidada DARKNESS FALLS.

En todo caso, recomiendo INSIDIOUS a los incondicionales del cine de miedo y también el rescate de un par de pelis que tal vez no conozcan, ambas con el gran Roddy Mcdowal, inolvidable César de la saga original EL PLANETA DE LOS SIMIOS, y sufrido cazavampiros en NOCHE DE MIEDO (I y II) : LA LEYENDA DE LA MANSIÓN DEL INFIERNO (1973) y MUERTE EN INVIERNO (1987), con Mary Steenburguen, propuestas nada recientes, muy distintas pero ambas recomendables.

Mitomanías: El café de Amelie (París)

2011-07-19T13:27:00.002+02:00

SPACE BATTLESHIP YAMATO: BANZAI!!

2011-07-14T13:59:00.002+02:00

SPACE BATTLESHIP YAMATO es una peli japonesa sobre el último buque de guerra espacial y esperanza final de la Tierra en la batalla contra un enemigo desconocido. A bote pronto, la influencia que más destaca en la cinta es la de la teleserie BATTLESTAR GALÁCTICA, en su estética, temática e incluso en partes importantes de la historia general esbozada, si bien el film opta también por una narración de épica más tradicional, con un ingenuo y agradecido énfasis en un dramatismo infantil más propio del cine de Michael Bay. Como curiosidad, el tema musical de los créditos finales es de Steven Tyler, la peculiar voz de Aerosmith, que compusieran una popular canción hace años para ARMAGGEDON.

Como resulta lógico, las otras reminiscencias que se hacen eco en el espacio sideral surcado por la YAMATO son la de la inevitable STAR WARS, los films japoneses sobre la segunda guerra mundial y sus cazas, los zero kamikazes (aquí los alienígenas los son tanto como los terrícolas), y por supuesto, el anime centrado más en la acción interplanetaria como COMANDO G que el de robots, aunque éstos tampoco falten.

Pese a que los responsables de FINAL FANTASY parecen estar implicados en la reluciente factura visual de sus efectos especiales continuos, no han caído en la tentación de un protagonismo excesivo de estos o una concepción demasiado nerviosa de los mismos que pudiera resultar confusa e innecesaria. Con estas referencias evidentes, la peli me recuerda también a la olvidada y olvidable WING COMMANDER, película norteamericana de los 90 inspirada en un videojuego de batallas espaciales, que resultaba igualmente entretenida y simpática pese a sus defectos, protagonizada por el fugazmente célebre Freddie Prinze Jr. y Saffron Burrows, y a BLUE NOAH, NAVE ANTIESPACIAL, un viejo anime con el comparte algunas coincidencias, aunque no es el que la inspira.

Así que, SPACE BATTLESHIP YAMATO, como las viejas pelis de Godzilla, es una aventura con las que todos los públicos pueden pasar un buen rato entretenido.

BLACKTHORN: DOS HOMBRES SIN DESTINO

2011-07-14T11:45:00.002+02:00

Sam Shepard (CORAZÓN TRUENO, BLACK HAWK DERRIBADO) y Nicolaj Coster Waldau (Jaime Lannister en JUEGO DE TRONOS, aparecido también en BLACK HAWK DERRIBADO y en la serie NEW AMSTERDAM que protagonizó) son Butch Cassidy en BLACKTHORN: SIN DESTINO, un western de impecable factura, sin duda de los mejores de este año pese a no ser norteamericano (a lo cual ayuda sin duda que Hollywood produzca muy pocos westerns cada temporada, aunque normalmente de una calidad estimable).

Este ejercicio de estilo romántico e intimista parece más próximo en sus influencias al recordado Sydney Pollack que tal vez al referente clásico que George Roy Hill culminó en DOS HOMBRES Y UN DESTINO, aunque también haya algo de secuela bienintencionada y apócrifa de aquella en BLACKTHORN.

Pese a algunos puntos flacos importantes, como a la no del todo creíble y conseguida amistad entre Cassidy y Eduardo (Eduardo Noriega), el film tampoco chirría por ello y destaca en muchos otros sin estridencias ni resultar sobresaliente, pero Sí muy recordable y digno de una visita a las salas de cine, dado el espectáculo crepuscular que propone y se desarrolla en una impresionante Bolivia, repleta de pistoleros indígenas (y pistoleras) que acosan a los fugitivos.

Stephen Rea hace un pequeño papel, que sin embargo enriquece y complementa muy adecuadamente la historia pese a su aparente ligereza, aunque puede resultar en algunos detalles un poco extraña para el espectador curtido dadas las pequeñas incongruencias que pueden siempre asaltarnos desde un flashback traidor aunque lucido.

El personaje de la amiga indígena de Blackthorn/Cassidy y sus momentos en común son también uno de los pequeños hallazgos de la cinta, así como las canciones populares gringas que este canta y ayudan a subrayar ese estilo de cine americano de otras décadas, como también sus momentos con Sundance Kid y el tolerante amor de ambos por la misma mujer , con despedidas en andenes ferroviarios incluidas.

Resulta curioso que cuando la sombra de Sergio Leone, y por extensión de Clint Eastwood se hace aún gozosamente patente en el western y el cine de acción producido en los Estados Unidos, una coproducción Hispano-franco-boliviana remita a unas formas diferentes, más propias de los grandes estudios de otro tiempo (sin despreciar a Leone tampoco, ya que allá donde veas un poncho verás a su pistolero sin nombre), si bien es cierto que incluso en el western nacional producido hace décadas en España con rotundidad no todo era el estilo polvoriento e innovador (entonces) que impusieron los realizadores italianos en Almería, sino también había otras muchas y menos recordadas fórmulas que se aplicaban en la abundante producción.

Ahora BLACKTHORN en su promoción parece reivindicarse en los medios como una rareza del cine autóctono, pero hay que hacerlo también si acaso como una muestra de un género universal que forma una parte muy característica de nuestra filmografía.

Siendo películas muy distintas en todos sus aspectos, hay algo en BLACKTHORN: SIN DESTINO que me recuerda a la ochentera (y por ello mucho más insólita, dado su éxito comercial cuando el western era considerado veneno para la taquilla) ARMA JOVEN 2: INTRÉPIDOS FORAJIDOS, tal vez por tratarse de otra crónica sobre la muerte y resurrección legendaria de un forajido de leyenda. Mucho más, en todo caso que a la reciente EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD, sobresaliente pero de un transfondo sicológico que la distancia de cualquier otra propuesta que pueda recordar.

Carta blanca, carta oscura

2011-07-13T07:58:00.002+02:00

Los Hermanos Farrelly, con el tiempo, (o quizá siempre lo fueron pero no nos dimos cuenta), se han convertido en unos observadores sarcásticos de la clase media americana, mostrándonos el patetismo del urbanita común y escupiéndonos personajes penosos hasta la vergüenza ajena, tipos universales en los que vemos reflejados nuestros comportamientos detestables y nuestras miserias.
Quizá no muy alejados de un primer Neil Labute y sus análisis despiadados de la pareja. Los Farrelly, sin embargo, siempre guardan algo de piedad, cariño y compasión para sus personajes, sobretodo los masculinos.
Intuyo un cierto homenaje a “La extraña pareja”, de Walter Mathau y Jack Lemmon, en la secuencia de la partida de cartas de amigotes, y continúa el peculiar humor burdo y de sal gruesa marca de la casa, pero el final de esta cinta te deja intrigado, pues todo parece un falso final felíz, en el que no todas las parejas parecen sobrevivir con sinceridad a la prueba de la carta blanca.
Como hombre, uno se ve identificado en las patochadas y en la esclavitud hacia el sexo, hacia la caza eterna, repetitiva y ridícula que adquiere visos de representación forzada, cultura teatral masculina que prueba su hombría en el ligue. Pero también rompe una lanza por la honestidad y la fidelidad de muchos otros, que valoran a su familia. Owen Wilson tiene momentos Woodyallenescos insuperables.
Pero también muestra con verdad a las mujeres, lo que piensan, necesitan y hacen, y no dejan títere con cabeza, pues la incoherencia y el ridículo se reparten por igual entre los dos sexos.

*Para mí, “Algo pasa con Mary” y su maravillosa banda sonora de cantautor folkie, sigue siendo insuperable.

Amigos... : Matar por salir en la tele

2011-07-09T11:27:00.002+02:00

A veces parece que el cine español se está reduciendo a producciones con aire televisivo, pagadas por las cadenas de esa misma tele comercial. Y a veces, te encuentras con esas mismas empresas parodiando su propia mierda, pues el cine, como es otra cosa, se puede permitir criticar levemente la sociedad que representa. Como todo es teatro, espectáculo y lucha por el dinero fácil, no sorprende el nivel de desahucio moral al que podemos llegar en este país, el cinismo de andar por casa made in Jorge Javier Vázquez. Esta peli es poca cosa, y la salvan los actores. Grande es Alterio, Diego Martín y Lozano, que te hacen reír en algunas escenas. Y está bien que toquen el tema de la telebasura y el afán de notoriedad como motor equivocado de la existencia. Porque el cine no es la tele, es otra cosa..

Sánchez-Arévalo : Hace falta mucho amor en este mundo

2011-07-09T11:20:00.003+02:00

Si en España existieran telecomedias al estilo “Cómo conocí a vuestra madre”, que hereda lo mejor del vodevil ingenioso, de los juegos de palabras y de un cierto amor por el absurdo, quizá no se harían pelis como Primos, incorrectas, caricaturescas, frescas y dinámicas. La tele española no estaría copada por productos eternos en duración del episodio ni tan familiares en el peor sentido.
Hay en ella ecos de Billy Wilder, de la mejor comedia italiana y de las españoladas divertidas de los 70, y los tres protagonistas masculinos están en estado de gracia, representando a tres hombres rebajados, indefensos y peripatéticos, que no saben como explotar todas sus capacidades. Hay un clown, Quim Gutiérrez, genial en sus cambios de humor, y otros dos colegas, un antiguo héroe de Afganistán tuerto, hipocondríaco, y un vendedor putero romántico, que quiere salvar al ídolo de su infancia, Bachi, el dueño del videoclub del pueblo, ahora en sus días más bajos.

Quizá la mejor película de Sánchez –Arévalo, exceptuando su ópera prima Azul oscuro casi negro, porque me parece la más redonda y honesta, la menos impostada de su repertorio. Se nota que es la más sentida y personal de este director, ya que regresa a los paisajes de su infancia, y habla de su educación sentimental y cinematográfica, cercana a la de cualquier treintañero. Y que su padre sea el maravilloso dibujante e ilustrador José Ramón Sánchez es un plus.
Película de personajes entrañables y vitales, a los que uno les daría un abrazo si se los encontrara por la calle.

Un cuento chino: Nihilismo con sentido

2011-06-20T14:49:00.002+02:00

Hay un programa en La Sexta que trata de muertes absurdas y aparentemente sin sentido. Brutales, triviales, incluso cómicas en su aparatosidad. Alguna vez lo he visto, e incluso me ha parecido pornográfico en el tratamiento sensacionalista de la muerte. En este mundo de contenidos vulgares, aparecen, en un rincón perdido de Buenos Aires, dos seres desorientados. Un chino vagabundo y el personaje de Darín, llamado De Césare. A mí lo que me gusta de las pelis argentinas, y particularmente de Ricardo Darín, es su credibilidad, su cercanía, lo identificado que te sientes con esa clase media humilde y trabajadora, soñadora, que se pasea por esos barrios encallados en los años 80, lejos de las grandes avenidas del centro, y sus historias románticas a la italiana, quizá a veces algo empalagosas, pero en general, sinceras, pequeñas y bonitas. Puro cine, encantador y mágico. (Y ojo, ésta tiene la declaración de amor más emocionante de una mujer a un hombre, que he visto en mucho tiempo)

(El cine argentino es el más parecido hoy en día al cine español, o quizá a lo que me gustaría que fuera éste último)

LADYBIRD: LA POSESIÓN DE EMMA EVANS

2011-06-18T11:59:00.001+02:00

EXORCISMUS (La Posesión de Emma Evans) emplea un impactante estilo cercano al cinema verité, distante de la forma de falso documental tan actual y efectiva en el género, y más próximo al del cine social de Ken Loach. El hecho de estar ubicada en Inglaterra y con actores prácticamente desconocidos ayuda a esta percepción del drama trágico de la familia Evans, si bien el efectismo de algunas secuencias y el virtuoso montaje de todas las escenas provoca una inmersión absoluta en la historia, que va dosificando inteligentemente la tensión para sorprender, cuando el estallido de la misma se ha hecho ya evidente, con una serie de giros argumentales del todo inesperados que aportan coherencia al conjunto.
Al igual que en su contemporánea EL ÚLTIMO EXORCISMO (reseñada en este blog), los personajes, sus intérpretes (también desconocidos) y sobretodo el suspense en una elaborada trama (solo en apariencia sencilla) son los puntos fuertes de un desarrollo siempre marcado por la fundacional e influyente EL EXORCISTA, pero de cuyo corsé autoimpuesto pelean valientemente por salir y aportar algo distinto al género, sin traicionar sus bases. Si bien hace ya bastantes años hubo un tímido intento milenarista de recuperar el género, fue con un puñado de títulos bien entretenidos pero con evidentes carencias y un exagerado efectismo visual, como fue el de STIGMATA, POSEIDOS, EL FIN DE LOS DIAS o incluso la última secuela (por ahora) de EL EXORCISTA.
Por ello, mis exorcistas favoritos del cine actual son sin duda el charlatán predicador de pacotilla descreído de EL ÚLTIMO EXORCISMO, y los nada piadosos sacerdotes y ambiguos (como poco) de REC 2 y LA POSESIÓN DE EMMA EVANS.

FAST FIVE: REUNIÓN EN CIUDAD DE DIOS

2011-06-11T11:11:00.001+02:00

FAST FIVE (FAST & FURIOUS 5) es el mejor (hasta ahora) de todos los los films de la saga A TODO GAS. El realizador Justin Lin ha sabido entender la franquicia y sobretodo adónde debe dirigirse. Lo demostró ya en la entrega anterior, aún reciente, que forma un tándem cohesionado con la actual, y lo hace además respetando la coherencia con el resto de capítulos (me refiero al segundo y tercero) que no contaron con la mayor parte de sus personajes centrales en el reparto, pero aportaron su granito a la tardía aunque oportuna y bienvenida madurez de la saga, que parece concebida ya para que siga perpetuándose.
Los protagonistas de las dispersas (hasta ahora) entregas anteriores se reúnen en esta nueva temporada de la serie cinematográfica, con una premisa que hace recordar a una versión hipermusculada, vigorosa y mucho más conseguida de la teleserie PRISON BREAK, que lejos de perder fuelle e interés como aquella, ha ganado en brío y espectacularidad. Recuerdo haber visto las 3 primeras pelis en televisión sin que me parecieran sobresalientes en ningún aspecto (pese a ser muy entretenidas) tal vez por lo convencional del enfoque que directores como Rob Cohen y John Singleton aplicaron con profesionalidad funcional, pero sin la ambición (ni probablemente el presupuesto) del volantazo a la acción épica pura que propone Justin Lin, que retoma a un Dominic Toretto (Vin Diesel) más héroe trágico que antes (como Riddick, su otro personaje talismán), y lo rodea de un elenco carismático acumulado durante aventuras anteriores y con la atractiva y aprovechada nueva incorporación de The Rock, que satisface el esperado y agresivo encuentro entre las dos estrellas del cine de acción actual.
El equilibrio entre los dinámicos y estéticos filmes del género que Hollywood ofrece hoy y los que popularizara en los años 80 es un hecho en esta película, y lo exprime sabiamente para obtener el mejor resultado posible. No es de extrañar que la crítica generalizada y con menos prejuicios haya alabado un film tan rotundamente comercial como honesto y redondo en su género.
De su colorido reparto, aparte de con Mia, la siempre eficiente y sufrida Jordana Brewster, y ante la ausencia de Michelle Rodríguez (llamada aquí ¡¡Leticia Ortiz!! ), me quedo con Han, el piloto japonés, y su final discretamente agridulce, ya que afirma con extraña seriedad premonitoria a modo de guiño: "Nunca he estado en Madrid. Volveré a Tokyo, pero será al final, al final del todo..." sabedores sus seguidores de que está destinado a morir allí en la tercera entrega, posterior cronológicamente a las actuales, sin prisa por llegar hasta eso punto de su historia.
El protagonismo de Rio de Janeiro y especialmente de sus favelas le confiere un atractivo especial a sus múltiples persecuciones y tiroteos, recordando la intensidad de TROPA DE ÉLITE y el sentido visualmente festivo de la guerra de BLACK HAWK DERRIBADO.
Si os entusiasma el film y queréis tener más pistas de por donde vendrán las próximas aventuras de Toretto, O`Connell y compañía, esperad a la escena posterior a los créditos finales principales, con nuevos cameos y alguna sorpresa. Espero que también vuelva The Rock, y claro, Elsa Pataky.

MONSTERS ALIENS IN LOVE

2011-06-01T11:45:00.000+02:00

MONSTERS ALIENS IN LOVE

MONSTERS es un deliciosa curiosidad, una peli de producción independiente con una estructura prácticamente improvisada apoyada en una premisa original, tan mínima como sólida, que rezuma una poética atmósfera. Sus responsables la definen como una road movie romántica con monstruos acertadamente, si bien el titánico y laborioso proceso de montaje y postproducción deja el film más cojo en algunos de esos elementos que en otros, algo natural teniendo en cuenta sus peculiaridades, pero por ello también la historia de amor resulta creíble por sencilla y realista (en un entorno postapocalíptico). El film de monstruos es tan alegórico y crítico como suele serlo el buen cine humanista de ciencia ficción de serie B (yo imaginaría que casi sin proponérselo), y el elemento aventurero de tono documental de película de viajes es seguramente el más conseguido. A ello ayuda sin duda esa centroamérica babilónica, cercana, universal y alienígena, poblada por unos no-actores improvisados asombrosamente convincentes (ojo, como señala el director, a la improvisación del señor que interpreta al vendedor de los billetes del ferry de la zona infectada, que es en realidad el encargado de un bar cercano al lugar). Es su condición de cine rabiosamente independiente de vocación global y mestiza la que le confiere un encanto especial, potenciado por una forma certera y sobria, tan efectiva como efectista de emplear unas ilusiones digitales impecables con medios domésticos.
En este caso ver el film en versión original es casi imprescindible dado que los diálogos pasan continuamente del ingles al español con una naturalidad repleta de matices. Lo mejor de su comentadas escenas finales es que deja con ganas de seguir más a su pareja protagonista a ambos lados de la frontera.

COPIA CERTIFICADA: JULIETTE BINOCHE Ó EL FINAL DE LA PELÍCULA

2011-05-15T12:06:00.003+02:00

(La fin du film)
Cada vez se ve más claro quiénes serán las viejas damas del cine europeo en el futuro.
Al igual que ya lo son Carmen Maura ó Catherine Deneuve, Juliette Binoche, de una generación posterior, tiene todos los papeles para ser considerada una de las grandes.
En “Copia Certificada”, destacaría sobretodo, a la pareja protagonista, y a la cada vez más mediterránea Binoche, totalmente creíble como esa fan francoitaliana de ese autor pedante que divaga sobre los límites de la representación, de si es tan válida la copia como el original, ya que lo que importa es el concepto, el argumento, el mensaje.
Consiguen tal grado de química en su relación, que casi no se nota esa brillante transición a esa otra cosa, se acepta con naturalidad. Y bueno, esos pueblos y paisajes de la Toscana, esos paseos por las calles empedradas, los cafés y los museos italianos, tan reales. Kierostami está presente en esta su primera película europea, y donde más lo noto es en la escena de unos novios fotografiándose en las catacumbas de lo que parece un palacio, junto al árbol de la vida, o en la secuencia final, misteriosa, enigmática, en el hotelito encantador de la plaza principal del pueblecito.
En esa secuencia te preguntas ¿qué está pasando aquí?, ¿es la despedida de una relación que se rompe o de una simple representación que va a terminar ya?
El hombre ante el espejo, mirándose antes de marcharse, y detrás el sonido real, no representado, totalmente original, no atrapado, de las campanas repiqueteando, haciéndonos volver a la realidad, y al fin de la película.

EL TURISTA CULTURETA

2011-05-15T12:03:00.002+02:00

Hace poco tuve la oportunidad de visitar Paris, y pude estar en todos aquellos lugares turísticos que ningún turista debe perderse. No sé si Woody Allen, porque se lo exigen los productores, o porque a él le fascinan, muestra estas típicas postalitas parisinas en los primeros cinco minutos de Midnight in Paris, como si se lo hubiera pagado la Oficina de Turismo de la ciudad. Sea como fuere, no me desagrada, porque la película va de eso, y ojalá le hubiera salido igual de bien en Barcelona, y no esa histérica historieta tópica y típica con las peores interpretaciones en años de los sobreactuados Bardem y Pe. (Pareja de imagen hiperespañola racial y fogoso-apasionada, como les gusta a los extranjeros vernos).
En esta ocasión, esta historia es agradable, se ve con una sonrisa, el personaje cae bien, hay escenas brillantes, y para el espectador español tendrá una cercanía especial, porque aparecen destacados personajes de nuestra cultura del siglo XX.
Lo que consigue Allen es transmitir con fidelidad esa fascinación del turista cultural contemporáneo, no sólo por el pasado brillante de París, como centro artístico del siglo XX en Europa y el mundo occidental, sino por los iconos de la literatura, sobretodo norteamericana. Owen Wilson contagia con su cara de sorprendido fan, la misma sensación que uno tendría delante de sus ídolos de todos los tiempos, sean del cine, el arte, la tele, el deporte, la política, etc..
Si uno tuviera la oportunidad de viajar por el tiempo, para visitar como un turista fantacientífico las épocas que más le han fascinado, y así conocer de primera mano a los personajes que sólo se han conocido por los libros o los documentales, podría asimismo desmontar muchas falacias y pedanterías, que han convertido las obras de esos artistas en arte muerto de museos y galerías.
No sé si Allen es tan vanidoso o arrogante como para sentirse parte de esa cadena de creadores, pero creo que aquí hace un ejercicio de modestia, situándose en el papel del eterno guionista que ya ha tocado en otras de sus cintas, como Celebrity, a la que ésta me recuerda tanto, como espectador insatisfecho con su vida convencional que quiere participar de los hechos históricos.
Es un canto, una oda, una alabanza a lo que a uno le gusta, a los músicos, actores, pintores, cineastas, que nos hacen la vida más soportable frente a la vulgaridad imperante, de la que Paris tampoco escapa, convertida en ciudad-escaparate para nuevos ricos de todo el mundo, buscadores de marcas lujosas, y soñadores de todo pelaje que quisieran ser otros, más bohemios, más adinerados, más parisinos…

PRIEST: HOSTIAS CONSAGRADAS

2011-05-14T12:41:00.001+02:00

EL SICARIO DE DIOS (Priest) supera con creces al primer film de su realizador, LEGION, donde Paul Bettany (aquí también protagonista) interpretaba a un ángel con metralleta. Ahora encarna a un sacerdote futurista cazavampiros a medio camino entre un oscuro pistolero crepuscular de spaghetti western y un Sith renegado de Star Wars.
El film, inspirado en un manga coreano bastante popular, ofrece duelos de kung fu sobre un tren de vampiros que recorre el desierto apocalíptico a toda pastilla, poblados luminosos de western y una ciudad catedral en permanente penumbra e influencia cyberpunk, como esas motos molonas que exhiben los guerreros protagonistas, que sin embargo están bien dibujados y definidos en su simpleza arquetípica, que dota de singular fuerza y belleza a esas escenas de acción espectaculares e inverosímiles.
Aparecen brevemente por la aventura actores que ya han incurrido en el universo vampírico (con llamativas variantes menos scifi) como el chupasangres protagonista de la teleserie TRUE BLOOD, el vampiro maloso de CREPUSCULO, Madchen Amik, que hace ya varios lustros se enfrentó a los depredadores elementales y edípicos de SONAMBULOS, o el gran Christopher Plummer, que interpretó al Van Helsing de DRACULA 2001 hace una década.
Bettany y Maggie Q (la nueva NIKITA televisiva) aportan singular carisma a un producto superficial pero rabiosamente entretenido y Karl Urban compone otro de sus personajes por los que será recordado como un habitual del cine épico de fantasía y serie B de las primeras décadas de este siglo desde que se dio a conocer en EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LAS DOS TORRES. ¿Para cuando un film de Fantasía heroica con los habituales del revival del género, como Ron Perlman, Sean Bean y Karl Urban, acompañados de, por ejemplo, Rohna Mitra?
De momento, el final abierto de EL SICARIO DE DIOS se plantea para favorecer un posible continuación que se complementa con un nuevo cómic (ya americano aunque con la colaboración de Tokyopop) que le sirve de precuela.

ÚLTIMO EXORCISMO:Cuando el cristianismo es tan extremo que se da la vuelta

2011-05-11T12:56:00.007+02:00

La música incidental hace acto de presencia en EL ÚLTIMO EXORCISMO casi sin que nos demos cuenta, subrayando el carácter cinematográfico de esta nueva muestra de falso documental de terror que funciona a la perfección, casi sin parecer que tenga efectos especiales sino efectismos argumentales bien introducidos y que nos llevan de sospecha en sorpresa continuamente hasta un desenlace impopular pero muy de mi agrado y del todo coherente.

Las interpretaciones sobresalientes y su definición de los personajes elevan el nivel de este breve cuento apocalíptico más allá de lo que podría esperarse de un film de serie B de, en principio, trillada premisa.

El ambiente que desprenden las localizaciones (como ocurría en EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR, más tramposa) de la Lousianna más profunda como foco de creencias religiosas mestizadas hasta lo pagano aportan un elemento importante que me evocan los ambientes místicos de la muy distinta serie televisiva TRUE BLOOD, pero con una valor documental equivalente a la también falsa y efectiva PARANORMAL ACTIVITY.

POR ASGARD!

2011-05-09T15:37:00.002+02:00

Las más de dos horas de THOR se nos pasan volando. Eso lo dice todo de una historia algo atropellada pero (o quizás por ello) muy entretenida donde pasamos de épicas gestas de fantasía a una comedia de situación en Midgard y vuelta a un gran espectáculo de superhéroes repleto de guiños a los films de la Marvel pasados y venideros. Y es que se nota mucho que es una peli hecha con conciencia plena de que forma parte de un todo que arranca con IRON MAN, continuó con EL INCREIBLE HULK (la menos lograda hasta la fecha) y se completará con EL CAPITÁN AMÉRICA hasta culminar en la próxima LOS VENGADORES. Las escasas e innecesarias expectativas por nuestra parte hace que disfrutemos del film aceptándolo tal cual. Mi acompañante, jugadora del World of Warcraft y aficionada a recorrer esos mundos propios de la Tierra Media ve reflejos de ellos en la luminosa Asgard y la oscura tierra de los gigantes del hielo, y la verdad es que razón no le falta, ya que la influencia de Tolkien (influenciado a su vez por la mitología nórdica) ya era evidente en el aspecto de algunos de los cómics del personaje, que luce como sus compañeros asgardianos una presencia fiel a sus viñetas más recientes pero que en imagen real los asemeja más a paladines jugones del WoW que a fieros Vikingos.
Loki se revela como el personaje con mayor profundidad (los demás son de una pieza de piedra rúnica) , al menos para transmitir una sensación dual y contradictoria lo bastante interesante. Esta relación se ve mejor explicada en los cómics, que disponen de un mayor espacio para ello, pero no está nada mal encajada dentro del encaje de bolillos argumental de la historia, sencilla pero apretada de elementos donde no veo ya a Balder (personaje de peso en los comics que hubiera engordado demasiado el conflicto de la corte de Odín), aunque sí a los tres guerreros y a la dama Sif. Aún así, salvo en momentos concretos, los grandes salones de Asgard parecen gigantescos escenarios vacíos donde se represente una tragedia teatral, y el poderoso ejército vikingo solo hace puntual y temprana aparición al principio de algún flashback.
Así, la dificíl traslación del THOR de la Marvel a la gran pantalla se resuelve con fortuna en una película que no aspira a ser un gran obra pero que encuentra un tono adecuado a su propia naturaleza y aspiraciones comerciales. Y hay martillazos como puños.

MUCHO RUIDO EN ASGAARD

2011-05-08T13:24:00.002+02:00

Una de las películas más agradables que recuerdo, comedia ligera y clásica, muy bien hecha e interpretada, es “Mucho ruido y pocas nueces”, de Branagh, de finales de los 90, que recuperó para el cine actual las obras imperecederas de Shakespeare.
Hollywood le ha encargado esta vez a este director británico, la translación a pantalla de otro clásico del comic, Thor. Y es curioso, que al igual que me sucedía con los tebeos, me gustan más las hazañas de este dios escandinavo en su reino celestial, Asgaard, que en la Tierra, con una forzada relación sentimental con Natalie Portman (aunque sea ella y esté estupenda, como siempre). Eso sí, Branagh le da cuerpo, tensión teatral y credibilidad a los conflictos de reyes y príncipes, padres e hijos y hermanos contra hermanos, al igual que le da ligereza y vis cómica al grupo de compañeros de aventuras de Thor. Lo poco que recuerdo de los dibujos de Jack Kirby, son sus diseños de trajes-armadura y los rostros de trazos gruesos y contundentes. Y Asgaard, claro, con su Puente del Arco Iris y aquella Ciudad Dorada en las nubes, con las cataratas del fin del mundo cayendo al vacío, fiel a la mitología vikinga.
Thor nunca fue mi favorito, pero llegué a engancharme a sus hazañas. Quizá, como bruto, era preferible Conan y su reino aún más primitivo, aunque los chavales tendíamos a identificarnos bastante más con Peter Parker, siendo o no en sus ratos libres, Spiderman. De todas formas, bailan en mi memoria cuadernillos sueltos de los Vengadores, próximo proyecto de la Marvel como productora de cine, donde contarán con este actor rubiales que encarna a Thor, con Robert Downey Jr. Como Ironman, el Capitán América y Ojo de Halcón, y con Samuel L. Jackson como Nick Furia.
Como me dijo mi mujer al final de esta película, (y no os vayáis antes de que acaben los títulos de crédito), poco aficionada a este cine de efectos especiales, está bien ver de vez en cuando estas películas tan entretenidas. Pero se nota demasiado que la Marvel ha encontrado por fin la gallina de los huevos de oro, y quiere inaugurar sagas colectivas de superhéroes en el cine, con la saturación que esto puede crear.
De todas formas, los efectos digitales han abierto un mundo en el cine moderno. Y no quiero ni imaginar los paisajes cibernéticos que podrían diseñarse para representar La Odisea de Homero, La Divina Comedia de Dante, el Apocalipsis de la Biblia o los libros míticos fundacionales del Hinduismo, o el Libro de los Muertos egipcio.

Se acerca el estreno de X-Men, Orígenes, y por el tráiler y las fotos promocionales, creo entrever la influencia no reconocida de Watchmen en estos mutantes de la Guerra Fría, para mí una de las mejores películas de superhéroes, junto con las dos primeras de Spiderman y las tres clásicas de Superman. (Y “El protegido”, del hoy vilipendiado Shyamalan).

NO TENGAS MIEDO : TEMAS QUE NO QUEREMOS VER

2011-05-08T13:21:00.002+02:00

Entre los tabúes sociales, los asuntos desagradables que no queremos reconocer ni ver, que molestan y preferimos esconder, está el abuso a menores, tan antiguo como la humanidad y siempre presente.
Armendáriz disecciona con un escalpelo esta problemática con una muy creíble Michelle Jenner, que representa muy bien a una chica destruida, perdida y que quiere encontrarse a sí misma en la cruel soledad de su situación.
Como denuncia consigue lo que pretende, pero quizá yo le pida algo más como película. No cae en la maniquea simplicidad de un telefilme de bajos vuelos, y el tono, la distancia, están conseguidos. Pero en mi opinión, los personajes deberían ir más lejos, pues desde mi punto de vista, una película debe darle la vuelta a los temas e ir más allá, como hace Lars von Trier, por ejemplo en Anticristo con otro tema peliagudo. Supongo que Armendáriz quiere tocar la fibra al espectador desde un medio popular y accesible, ficcionando algo que ya conocemos por reportajes y documentales en la televisión, aunque cae a mi modo de ver, en el docudrama , con un resultado bueno, correcto y mejor que en intentos anteriores, pero no tan arriesgado como sería deseable de un creador libre.
Creo que se abre un campo muy interesante, sobre todo, en la ficción televisiva, para tratar estos temas con riesgo y verdad, (por ahora, en la televisión por cable), y sugeriría humildemente que se creasen tv-movies sobre la memoria histórica, los niños robados en el franquismo y la primera democracia, los abusos de menores en la iglesia española, los gitanos en España, la explotación laboral y la corrupción política al hilo de la burbuja inmobiliaria (como en la serie Crematorio), el paro de larga duración y el paro juvenil, por ejemplo..

EN LA NIEBLA ELÉCTRICA

2011-05-08T13:16:00.002+02:00

Podría decirse que los europeos quieren hacer el cine americano que los propios americanos ya no hacen, aunque esto no es verdad del todo. Hollywood siempre se nutrió de autores europeos, que con mayor o menor libertad creativa, crearon los mayores clásicos de la historia del cine americano y mundial. Tavernier, al igual que lo fue Truffaut, es un gran entendido en el cine clásico y contemporáneo americano, y esta película toca casi todos los elementos del género negro, aunque le dota de una atmósfera de realismo mágico sureño, por todo aquello que impregna Nueva Orleans, Louisiana, los pantanos, los ecos de la esclavitud de los negros y en general, la mitología popular Confederada.
Tommy Lee Jones, solvente rostro duro, borda el papel de un agente justiciero y a la vez, compasivo, que quiere resolver un crimen del pasado que ha generado retorcidas ramificaciones en el presente, todo ello mezclado con el mundo del cine y los estragos que perduran por el paso del huracán Katrina, que ha sacado a la luz los muertos antiguos.
Homenajea al cine de John Sayles, independiente realizador de frontera, tanto como al puro género, y muestra, a modo de una peculiar memoria histórica de racismo y esclavitud, las podredumbres de una sociedad antigua casi desintegrada. El poder blanco sigue mandando, aliado con psicópatas de medio pelo y mafias de segunda fila, pero su influencia tiene los días contados en el mundo moderno, mestizo y global.
Aunque es una película entretenida, no puedo resistirme a pensar qué hubiese hecho con este material el mejor Werner Herzog, el de Aguirre la Cólera de Dios.

INCENDIOS

2011-04-28T22:15:00.000+02:00

INCENDIES es una peli de producción canadiense. Es una historia muy intensa y dramática, visualmente muy conseguida. Es un melodrama, pero como una versión íntima de EL CASO BOURNE, una visión doméstica de SYRYANA, una tragedia familiar que ilumina con su destello un momento global, algo más grande. Lo que más sorprende es lo completa, aparentemente holgada de recursos y bien interpretada que está cuando tal vez se supone que debería tenerlo todo en contra para que fuera así dada su propia naturaleza. Nunca alcanzará la relevancia popular de LOS PUENTES DE MADISON, pero comparte el tema de la vida secreta de una mujer descubierta por sus hijos tras su muerte, con mayor intensidad si cabe, pero en un contexto más propio de EN TIERRA HOSTIL que de una dulcificada EL PACIENTE INGLÉS.

También podemos encontrarle al enfoque de la historia algún punto en común con la más previsible EN EL VALLE DE ELAH de Paul Haggis, aunque más anecdótico quizás. Incluso en algún momento creo que INCENDIES es más bien algo así como un video musical de Radiohead sin Radiohead.

POLUCIONES NOCTURNAS

2011-04-23T13:46:00.000+02:00

Con el pedete lúcido de la temprana madrugada llego a casa y me encuentro con el pase televisivo de una de esas pelis que de tan malas resultan ser buenas. CERCO ATERRADOR es un bodrio de 2.002 que parece una serie Z de los 70. Arropado por buenos actores acostumbrados a lidiar con lo que les echen, como son la protagonista Dina Meyer, el siempre centrado Lance Henriksen, el histrión desbocado Dennis Hopper y el imprescindible Jeff Fahey, el despropósito del film es digno de análisis. Me recuerda a las pelis de científicos locos criminales que en los años 40 protagonizaran Boris Karloff y Bela Lugosi, pobladas de argumentos absurdos con inventos cutres e inverosímiles sin pies ni cabeza.

El actor que da réplica a la protagonista parece una estrella del porno de los 80 con pelazo incluido, y se mueve ridículamente al ralentí todo el rato. Hopper es un alcaide de prisión sádico y loco hasta el paroxismo (termina suicidándose pegándose de cabezazos con la pared y arrancándose la cara entre carcajadas), que acosa (junto al galán del pelucón) vulgarmente a Dina Meyer entre unos diálogos impagables por descacharrantes.

La agresión sexual esta presente en todo el metraje. Cuando electrocutan al reo de turno (en una sala atestada de guardias de seguridad que se descojonan con su agonía, por cierto), el condenado (que abusa de la laca) y Meyer parecen compartir un orgasmo a metros de distancia, para horror ¿y placer? de ella. Además, durante el interrogatorio del mismo tipo, la secuencia en la que a él le sale un gigantesco gusano de la oreja que cae en la mesa, reptante, mientras ella (que se dá perfecta cuenta) sigue hablando como si nada pero sin poder dejar de mirar al bichejo asustada, aunque rozándose los labios con la lengua unos instantes, resulta de una intención morbosa tan evidente como enferma, y por ello, del todo festiva.

Todo este ¿involuntario? pitorreo no esconde una falsa moraleja basada en lo de que el mal prevalece siempre, imposible de tomar mínimamente en serio en este caso, aunque coincidente con otra peli que descubrí hace bastantes años también en televisión (cuando era analógica), y mucho más reivindicable. Se titula LA NATURALEZA DE LA BESTIA (NATURE OF THE BEAST), dirigida por Victor Salva, realizador de POWDER y JEEPERS CREEPERS (ambas entregas), y protagonizada también por un inquietante Lance Henriksen y Eric Roberts, lo que auguraba erróneamente un telefilme a olvidar de tantos. Para nada, LA NATURALEZA DE LA BESTIA es un film modesto pero elaborado, serio y contundente acerca del origen de la maldad humana en una trama de asesinos en serie, con uno de los finales más oscuros que puedan recordarse. Una pieza tenebrosa, un cuento nihilista de serie B a descubrir.

CREMATORIO : EL CAPO ESPAÑOL

2011-04-22T19:55:00.003+02:00

Nunca me había parado a pensar si existía una mafia específicamente española. Estamos habituados a ver historias de capos sicilianos o rusos, o de bandas latinas, pero estamos más acostumbrados a leer relatos de corrupción inmobiliaria, política, o crónicas de sucesos sobre atracadores, trata de blancas en los múltiples burdeles de carretera, o de narcos gallegos. Nos cuesta ver esto reflejado en la ficción, no nos reconocemos en el chanchullo de altos vuelos. Crematorio refleja todo esto junto y más allá. Pepe Sancho es el capo valenciano, es su papel. Con un tratamiento muy cinematográfico y un estilo muy HBO a la española, la serie sabe reflejar un tipo específico de mafioso mediterráneo, personalista, caudillo, familiar, metido en mil fregados, pero al que empieza a irse su imperio de las manos, poco a poco..

STAB 4:SCREAM CRAVEN SCREAM

2011-04-22T18:24:00.001+02:00

SCREAM 4 es junto con SCREAM el mejor film de la saga, si bien aún inferior a este. Me he dado cuenta que en estos años el componente autoreferencial (en la cuarta entrega elevado al máximo exponente, junto con cierto toque de homenaje y parodia, todo incluido con gran inteligencia y gusto) ha dejado de interesarme y prefiero un enfoque más directo en el género, si bien ejercicios como este nuevo SCREAM y la reciente COLINAS SANGRIENTAS (muy recomendable para los fans del slasher) son plenamente disfrutables e incluso necesarios para el cine americano de terror.

SCREAM 4 sigue también su habitual juego policial de "¿Quién es el asesino enmascarado?" tan propio del Giallo, con especial habilidad en esta entrega con tramposo desenlace inesperado (como debe ser). En la evolución de la franquicia se nos muestra como un elemento de vital importancia para entender su propósito la irrupción de internet y las nuevas tecnologías como punto coyuntural en la existencia de la nueva generación, donde las adolescentes están más expuestas (y acostumbradas) que nunca a la presencia de acosadores anónimos de medio pelo y a la sobreexposición a las imágenes que circulan por la red, dando un cierto giro hacia el thriller de temática snuff movie con una facilidad tan estremecedora como no era aún imaginable cuando se estrenó TESIS.

Quizás en el cinismo y la vacuidad de las relaciones según la red social es donde se haya una de las brechas generacionales abiertas entre los nuevos protagonistas (o víctimas) de la historia y los de las anteriores pelis (los habituales Neve Campbell, David Arquette y Courtney Cox) que al igual que yo parecen sentirse un poco fuera de lugar en un entorno tan mediatizado, aunque el director Craven y el escritor Williamson eluden con gran acierto resultar moralizantes (que no críticos) o condenar a la juventud actual, que no deja de ser en el fondo como las que les precedieron.

Y además están los guiños al espectador. Múltiples, a la trilogía anterior (sobretodo la primera entrega) y al cine de género de todo tipo. Incluso uno de los polis bobos responde al nombre de Anthony Perkins.

THE LOOKOUT: LA VIDA EN UN CUADERNO

2011-04-22T18:22:00.001+02:00

I. Cegado por la luz

Me despierto.

Llego a casa, son las 1:30 de la noche. Me quito las botas en el sofá, espero una llamada para salir de nuevo. Enciendo la tele.

Emiten una peli que no conozco, THE LOOKOUT.

El prota es Joseph Gordon Lewitt. Salen Jeff Daniels y Carla Gugino.

Una carretera nocturna, conduciendo con las luces apagadas para tocar las luciérnagas.

II. Noches Atómicas.

Me despierto. Desayuno. Siguen siendo las 1:30 de la noche.

El chico necesita apuntar las cosas en su cuaderno para recordarlas desde el accidente. Lo que podría ser un telefilme soso o un melodrama indie se mueve en otras aguas, mejores, más profundas e interesantes o quizás solo más entretenidas. Jeff Daniels es ciego y barbudo. Dice : "A veces me despierto y creo que veo hasta que me pego con la puerta". Carla Gugino sale poco y se la echa de menos. El chico es conserje en el turno de noche. Un poli campechano le lleva donuts y le cuenta su vida a menudo.

III. Si hay un agujero en la realidad ¿Es la vida un donut cósmico?.

Me despierto. Me ducho (con jabón). Estoy en la misma noche. El chico desea que algún día la chica rubia que encarnó a Supergirl en Smallville y a la princesa alienígena del nuevo V pueda perdonarle, o al menos él se atreva a decirle en persona lo que solo le dice en sueños. Curioso para alguien que no puede permitirse hablar con mujeres porque su cerebro roto no controla las inhibiciones sociales y dice demasiado. El chico se llama Chris Pratt, eso antes significó algo.

IV. Si esto es amor ¿Por qué me duelen los dientes?.

Me despierto. Busco mi cuaderno. Chris conoció a otra chica. No recuerda su nombre, pero lo anotó, se llama Lindas, la stripper Lindas Peras. Hay algo más. Empiezo a sospechar que este puede ser también un film de género, como BRICK y MEMENTO. No destripo más.

V. Julio Verne tenía razón.

Me despierto. La peli se ha acabado. En un instante, son más de las 3 de madrugada. Aún llevo puesta la ropa con la que llegué a casa. La historia No era perfecta pero me ha gustado. Os invito a conocerla. ¿Ha sonado mi teléfono?.

VI. Prólogo.

..(Los títulos de los párrafos están extraídos de entre los que anunciaban los capítulos de la maxiserie de cómics DC CHALLENGE!, particular experimento de Cadáver Exquisito que la editorial americana perpetró en los 80, inspirado en una tormenta de ideas de un grupo de autores exaltados en una noche con demasiado alcohol en el tejador de una fiesta de ¡ la Marvel !)..

Juego de Tronos, la serie

2011-04-21T17:40:00.003+02:00

Desde mi desconocimiento de la saga literaria de George R. Martin, y sólo con el visionado del episodio piloto de la serie realizada este año por la HBO, puedo destacar, aunque seguro que nuestro crítico Eiyeljasel lo hará con mayor conocimiento de causa, un universo propio medieval alternativo de fantasía heróica e intrigas palaciegas, cercano para mí a los Pilares de la Tierra y a los Tudor, además de las cansadas referencias al clásico contemporáneo del Señor de los Anillos, saga iniciadora de todos estos mundos paralelos, que además, tratado con el conocido estilo HBO de mostrar sangre y pechos femeninos sin pudor, puede enganchar y además, enseñar de forma didáctica el mundo de la alta edad media británica, emboscada en metáforas invernales.

FURIA CIEGA -CRUCE DE CAMINOS-

2011-04-21T15:08:00.001+02:00

BAT OUT OF HELL

Seguro que la forma idónea de ver FURIA CIEGA (Drive Angry) es relajado, riendo a carcajadas rodeado de amigos y engullendo palomitas, ya que es un espectáculo digno de compartir una sesión doble de Grindhouse con MACHETE, por ejemplo, a la que seguramente supera por carecer de sus innecesarias pretensiones y extenso metraje.

Pero entré al cine con la adrenalina aún golpeándome el cuerpo tras ahuyentar minutos antes en la calle a unos tristes aspirantes a atracadores, con lo que todo el desahogo visceral de la peli fue bien recibido, una afortunada sucesión de violencia sangrienta, erotismo gratuito y oscuridad desbocada.

Volvió a acertar el amiguete que me la recomendó como la peli que "debió ser el MOTORISTA FANTASMA", porque Nicolas Cage consigue en esta cinta todo lo que faltaba en la entretenida franquicia comiquera. Un tono adulto y tenebroso con personajes carismáticos, El CUERVO cruzándose con el sicópata de CARRETERA AL INFIERNO, un western sobrenatural propio de un cómic escrito por los salvajes Garth Ennis o David Lapham (cuando deja su tono indie y se suelta la melena), y Nic Cage superándose en una serie B que nos hace olvidar films como 60 SEGUNDOS (el remake) y redime el género destructivo de los films de bólidos y locos al volante.

Patrick Lussier consigue posiblemente su mejor película tras la divertida SAN VALENTIN SANGRIENTO (plana en personajes y situaciones), y las muy estimables DRACULA 2001 y DRACULA II: RESURRECCION, y sirve con FURIA CIEGA un film perfecto en su estilo, con diálogos clavados y escenas para recordar como la del tiroteo en el motel de John Milton (Cage), con puro en la boca, pistola en mano, botella de Jack Daniels en la otra, y una camarera rubia desnuda enganchada delante, a ritmo setentero y tonos rockeros que inundan toda la historia, por donde se pasean secundarios entrañables como el breve David Morse y villanos satánicos y paletos de una irreal América profunda.

A veces los films de serie B llegan donde las franquicias millonarias y las prestigiosas series de televisión actuales no pueden. A la Pura diversión.

¡¡A MI LA LEGION!!

2011-04-14T18:38:00.003+02:00

Aunque THE EAGLE (LA LEGIÓN DEL AGUILA) me gusta algo menos que la muy reciente CENTURION, es igualmente muy disfrutable y ambas comparten temática y certeros aciertos en su resolución, si bien el tono es quizás algo distinto, aunque diría que incluso complementario, tanto que una podría ser perfectamente una secuela directa de la primera.

El célebre Muro de Adriano es el eje histórico al que rodea la leyenda de la novena legión romana desaparecida, suceso narrado en CENTURION, donde el muro aun no existe, y al que volvemos en THE EAGLE, años después de su construcción que da por perdido el norte de las islas para el imperio.

Asistimos a combates con tribus pictas, druidas sanguinarios e incluso creo ver al dios Herne el Cazador salir de las aguas. Tanto en CENTURION como en THE EAGLE el honor y el destino son temas importantes, si bien el peso del pasado y el reconocimiento al adversario también lo son de la segunda.

Ya que ambas muestran la causa de origen del muro y su función separatista, podrían formar una trilogía adecuada con DOOMSDAY (del mismo director que CENTURION), que nos traslada a un improbable futuro donde un nuevo muro de Adriano vuelve a estar vigente para servir de prueba de la existencia persistente de la barbarie.

Las figuras femeninas de CENTURION, con una función vengadora pero también redentora a través del amor, no están presentes en THE EAGLE, donde sólo se insinúan, y se centra en la lealtad y amistad entre hombres, camaradas y enemigos, donde destaca la serena presencia de Donald Sutherland. Sobresale el poder evocador de sus imágenes, algunas más grandiosas que tenebrosas, y la épica de su bien aprovechada banda sonora.

También esa última escena de final abierto, como en algunos de los Films de J.Carpenter (GOLPE EN LA PEQUEÑA CHINA, VAMPIROS y FANTASMAS DE MARTE, por ejemplo), que invitan a nuevas aventuras como también lo hacía el protagonista CENTURION con sus palabras para la apertura y cierre del filme: "...y este no es principio ni el final de mi historia".

SEMPER FIDELIS:BATALLA EN L.A.

2011-04-09T11:38:00.001+02:00

"¿RETIRADA? ¡ Y UN CUERNO ! ¡ ACABAMOS DE LLEGAR!" Comandante de Marines, Primera guerra mundial. Antes de verla, alguien me definió INVASION A LA TIERRA como un cruce de INDEPENDENCE DAY y BLACK HAWK DERRIBADO, con todo acierto. Afortunadamente, formalmente más como el segundo, este gran espectáculo de acción bélica bebe directamente de las fuentes de cineastas contemporáneos: del mejor Emmerich (y un poco del menos bueno), de Ridley Scott e incluso del Spielberg de SALVAR AL SOLDADO RYAN y LA GUERRA DE LOS MUNDOS. Desde esta última se ha vuelto recurrente el momento en el que los alienígenas emergen del subsuelo (después de llegar desde el cielo) en films como este o el también reciente SKYLINE. A ratos es también como uno de esos populares videojuegos de guerra moderna, que hace innecesaria (aunque no molesta) la presentación inicial de personajes y sobretodo de sus seres queridos. Yo ya sé que los marines son también personas, vaya. Es curioso comprobar como al final ciertos films bélicos americanos serios como EN TIERRA HOSTIL o GREEN ZONE, donde la forma tiene un lugar privilegiado frente al fondo, tienen intereses estéticos y coincidencias de mensaje con otros de enfoque mucho más festivo como esta INVASION A LA TIERRA. Ideal para ver antes de entrar en combate (mejor virtual).

EL DESTAPE:PIRAÑA Y TETAS

2011-03-27T16:38:00.002+02:00

Elizabeth Sue, Heroína de acción

PIRAÑA, el remake, es un divertimento con intensas dosis de gore y deshinibiciones, un entretenimiento festivo y superficial, necesario y adecuado en un producto veraniego de estas características, e incluso a reivindicar en su justo tono por la fuerte ola de conservadurismo que nos invade, provocando que directores de festivales reputados como el de Sitges sean perseguidos por proyectar filmes de ficción premiados internacionalmente.

Por el contrario y pese a las molestias que pueda ocasionar, quizás no deje de ser buena noticia (o al menos curiosa) que en mi ciudad no haya salas de 3D donde proyectar PIRAÑA porque están ocupadas con TORRENTE 4.

DESTAPE HASTA EL HUESO

El reparto de PIRAÑA tiene ecos de cine ochentero, contando en su inicio con Richard Dreyfuss abriendo los créditos iniciales (las pirañas acabaran lo que empezó el tiburón de Spielberg hace como 30 años), y con la hermosa Elizabeth Sue reencontrándose con Christopher Lloyd (ejerciendo como siempre de científico loco) brevemente tras coincidir ambos en la ya clásica trilogía de REGRESO AL FUTURO. Además Dina Meyer pasa por allí para incluir a estos bichacos prehistóricos en su currículum de muertes a manos de alienígenas, asesinos y murciélagos mutantes en films de serie B que ella siempre engrandece.

La modelo Kelly Brook y la actriz porno Gianna Michaels entre otras, ejercen de sirenas de aguas calientes y sangrientas para regocijo del público masculino, con una carnalidad capaz de empachar a más de una piraña.

EL ARTESANO

2011-03-26T10:31:00.002+01:00

L´Americano es otra muestra de cine nostálgico, cine inspirado en aquellas películas francesas o italianas de los 60 y 70, con Belmondo ó Delon, o incluso con alguna de aquellas estrellas americanas en horas bajas (o altas) que bajaban al cine comercial europeo para realizar thrillers o polares (ese género de suspense detectivesco frío y azulado, tan francés). Corbijn lo recupera, y nos muestra a un inspirado Clooney, actor de la estirpe de los Mitchum, ó de Eastwood, ó de cualquiera de aquellos que tenían un careto maduro, casi inexpresivo, pétreo pero que sin embargo, transmitían toda la emoción de un arquetipo. Cuando se salen del puro género, del estandard, y se comportan como personas creíbles, estas estrellas ganan y demuestran que son actores de verdad. De todas formas, como buen director británico, no se escapa de su gusto por los tópicos católicos mediterráneos, el cura y la puta de un pintoresco pueblo italiano, aunque en esta cinta están bien integrados y no chirrían. Las dos actrices italianas principales, la asesina y la prostituta, podrían haber sido en otros tiempos una Claudia Cardinale, Raquel Welch, Geneviève Bujold, etc.., y hay escenas que recuperan ese romanticismo trágico de aquellos spaguetti-westerns y pelis de gangsters europeas. No es una gran película, pero entretiene, Clooney hace que te preocupes por su destino, y muestra también, la vida sencilla del artesano que siempre quiso ser, fuera del mundo sin amor de la muerte por encargo.

ENREDADOS CON LOS MUERTOS

2011-03-22T12:38:00.003+01:00

LA RESISTENCIA DE LOS MUERTOS (Survival of the Dead) es la continuación que George A. Romero realizó recientemente de su EL DIARIO DE LOS MUERTOS, dejando a los estudiantes de cine que la protagonizaban y centrándose en unos desertores de la Guardia Nacional que aparecían brevemente y ahora protagonizan este segmento de su nueva saga zombi. Muy criticado, el film es sin embargo bastante entretenido si bien parte del mismo tono que Diary of the Dead para luego cargar las tintas en el humor negro, las situaciones absurdas y apuntar maneras de western. Quizás el desenlace algo flojo, extraño y surreal haya motivado el desinterés de un público saturado de muertos vivientes, pero yo le diría al film lo que el carismático protagonista le pregunta al viejo buscavidas que los mete en líos :"¿Porqué me caes bien?".

LOS WHASINGTONIANOS es un curioso relato corto traducido a la pequeña pantalla en la serie MAESTROS DEL TERROR. Reflexiona sobre lo cuestionable y conveniente de la memoria oficial mostrando una fábula imposible donde un individuo descubre que el padre de la patria norteamericana fue un caníbal asesino de niños, algo ocultado por los historiadores y por una extraña sociedad secreta de su ciudad natal, una panda de slashers antropófagos vestidos de época
Más sobrio y menos disparatado (solo en su tono) es LO MALDITO, relato de Ambrose Bierce adaptado para la serie por Richard Matheson y dirigido por Tobe Hooper. Protagonizado por Sean Patrick Flannery, este relato sobre un horror atávico invisible que destruye un pueblo típico americano destaca por su contundencia y fatalismo, subrayado en un final abrupto y cortante

He visto películas en los lugares y situaciones más extrañas. Por ello, la más rara no es ver ENREDADOS en una casa embrujada. A los fantasmas debe de gustarles Disney (no me sorprende), y nos dejaron disfrutar de una comedia simpática con las canciones justas y personajes graciosos. Algo así como seleccionar lo mejor de los clásicos cuentos de la factoría con el humor de Pixar y el descaro de SHREK, y el resultado, claro, es deslumbrante, sobretodo en lo visual, donde destacan también unas algo gratuitas escenas de acción pensadas para lucirse en las salas de 3D pero que no desmerecen el conjunto. No soy fan del cine de animación norteamericano actual pese a su comprobada calidad, pero está bien para pasar un buen rato, que terminó cuando cenando comenzamos a ver EL DIARIO DE NOAH (la reunión era mayoritariamente femenina, se nota en el gusto de la selección de pelis) y los poltergeist caseros se desataron (por algo será), pero esa es otra historia. La noche se puso decididamente más interesante, pero no creo que terminemos nunca de ver EL DIARIO DE NOAH.

AMANECER ROJO

2011-03-13T23:05:00.003+01:00

JUEGOS DE GUERRA

MAÑANA, CUANDO LA GUERRA EMPIEZE es una coproducción Australiana inspirada en una novela sobre el paso a la madurez de unos chicos que se marchan de acampada a un aislado paraje natural (algo así como el Valle Secreto) y cuando regresan a sus casas las encuentran arrasadas por una ocupación militar enemiga.

Sencillamente entretenida, huyendo de lecturas políticas, subrayando una bien llevada pero innecesaria corrección, alternando el espectáculo descafeinado de una producción teen al estilo de las americanas de los 80 con un dramatismo poco creíble y una ligereza más adecuada, y pasando por unos pasajes extrañamente bucólicos, como sería un video musical de Simon y Garfunkel. Algo así como encontrar un nexo de unión entre las ochenteras AMANECER ROJO, INVASION U.S.A. y la rareza de la también austral PICNIC EN HANGING ROCK de Peter Weir. Un divertimento que no aguantaría un mínimo análisis argumental, con una conseguida factura visual y al que no hay que buscar más lecturas, aunque con mala idea podemos interpretarla como un alegato anticomunista o como apología del terrorismo, lo que uno prefiera

TÚMULOS

También sobre el abandono de la infancia, en cierta forma, trata LA OTRA HIJA, desde una perspectiva tenebrosa en este caso. A LA OTRA HIJA quizás es mejor enfrentarse sin saber demasiado de su argumento, bien llevado pero quizás demasiado extenso para la premisa que ofrece, que por otra parte tiene su atractivo. No destripo más, pese a resultar en algunos aspectos demasiado convencional, vale la pena ver este cuento oscuro y trágico en el que no hay fantasmas ni posesiones, sino algo más antiguo y telúrico.

EN TIEMPO DE BRUJAS

2011-03-06T23:18:00.005+01:00

Hace años, antes de que existieran las descargas de archivos, un amigo me dijo que las pelis buenas lo siguen siendo aunque las veas en televisión, dvd u otro formato, mientras que las malas mejoran si las ves en el cine. Parezco seguir inconscientemente esa premisa, ya que en estos días que en el cine se proyectan lo último de los Coen y Eastwood, yo opto por ir a ver un film de serie B, EN TIEMPO DE BRUJAS, ¡¡ y me lo paso pipa !!, es un muy entretenido film medieval de espada y brujería, pero también una película de colegas con batallas en las cruzadas, zombis endemoniados, bestias del averno y exorcismos al estilo de lo que haría Sam Raimi, con momentos hilarantes como el del imprescindible Ron Perlman dándole de cabezazos a un diablo.

Este actor, en activo al menos desde los años 80, se ha vuelto habitual desde el trampolín de su personaje HELLBOY en las últimas películas de fantasía en su vertiente heroica, como OUTLANDER, MUTANT CRONICLES o el próximo CONAN. Posiblemente sean él y la joven Claire Foy, que encarna a la supuesta bruja protagonista lo mejor de un equilibrado reparto.

Además de por la brevísima aparición de un casi irreconocible Christopher Lee, EN TIEMPO DE BRUJAS o la reciente EL RETRATO DE DORIAN GRAY deberían ser el tipo de producto que me gustaría como fan que ofreciera la resurrecta productora HAMMER, ya que aportaría un coherente continuismo a su identidad distintiva en un mercado audiovisual competitivo y saturado, en lugar de absurdos e impersonales remakes de films europeos recientes de género. Supongo que con que no esté haciendo comedia romántica ya podemos darnos con un canto en los dientes.

PERRAS FURIOSAS, MACHETE MAIDENS

PERRAS FURIOSAS (BITCH SLAPS) es un divertido film de reducido presupuesto, con una única localización, una roulotte en el desierto (más multitud de lugares reproducidos en croma), que da lo que promete: una historia sencilla aunque llena de giros, chicas guapas y agresivas, violencia gratuita y humor negro.

Una exploit incorrecta en toda regla al estilo del cine de los 70, que al estar producida por algunos de los responsables de los seriales HERCULES, SUS VIAJES LEGENDARIOS y XENA, LA PRINCESA GUERRERA, cuenta con Michael Hurst (que encarnaba a Iolus en aquellos) en su reparto, y con Kevin Sorbo, y la dinámica pareja que formaron Lucy Lawless (Xena) y Renee O'Connor (Gabrielle) reencontrándose en pequeños cameos que pueblan los numerosos flashbacks de la historia. También está Zoe Bell (musa del DEATH PROOF de Quentin Tarantino) ejerciendo de coordinadora de especialistas y doble de acción en las múltiples peleas del film.

Los extras de su dvd son realmente apetecibles, cortos cachondos, making of curioso, reencuentros, gags, etc..

Palomitero, Rockanrolero y muy entretenido, si os gustan las pelis un poco macarras como MACHETE o HELLRIDE, ésta es la vuestra.

Una de las Perras es America Olivo, como para hacerse fan...

EL PODER SERÁ DE LOS TURCOS

2011-03-02T14:20:00.002+01:00

1. SOMEWHERE-EN ALGÚN LUGAR

Sólo un apunte a la crítica ya escrita en esta bitácora (término en desuso) por parte de Eiyeljasel :
Al igual que la Coixet en Mapa de los sonidos de Tokio, la Coppola no aburre con sus imposturas de siempre, sino que las asume con madurez y va al grano (todo lo circularmente al grano que pueden) en ambas películas menores o de transición. Coppola habla de lo conoce, ser hija de en un mundo acomodado y vacío. Obviamente, la peli gana con la relación del tío calavera con su hija preadolescente, y lo que transmiten de buen rollo y amor mutuo. Y consigue escenas sueltas de gran belleza, como aquella del patinaje artístico, donde el padre descubre con admiración las dotes artísticas de la hija. Y puntualmente, en la escena del baile de las chicas go-gós en la habitación del protagonista, con la música de fondo de los Foo-Fighters.

2. Mapa de los Sonidos de Tokio es la peli que más me ha gustado de la irritante Coixet en siglos. Quizá porque es difícil que una historia que transcurra en Japón defraude, quizá porque esa imposible pareja de vinatero catalán y asesina japonesa, dentro de un contexto de amour-fou y argumento casi de género, sea tan comiquera, y que por eso mismo, sus empalagosas citas pseudoliterarias de anteriores películas, aquí no caben, o por lo menos, no de la misma manera.

Pienso que a muchos de estos “autores”, el género cinematográfico les puede sentar bien, porque les disciplina no salirse de un cánon o contexto determinado.

Ojalá me hagan caso, porque el cine español, tan abandonado por su público, ya no soporta más cine de autor a cualquier precio, sobretodo si viene de nuestros impuestos.

3. Por otro lado, creo que el espectador español joven suele ser injusto con el cine español, al que desprecia y ningunea sin conocerlo. Debería informarse más, y los creadores e instituciones deberían promocionarlo con intensidad, e incluso colgarlo adecuadamente en internet, para que se pueda descargar con facilidad. (Métanme en la cárcel por decir esto. ¿No creen que sería mejor esa situación que la que tenemos ahora? Por lo menos, el cine español se vería en España, aunque fuese gratis, y eso podría también como rebote llevar a las salas y al dvd a los espectadores). Esta cruzada antipiratería sólo ha conseguido que las películas españolas sean imposibles de ver por la red, y que el resto del cine mundial sea mucho más accesible, y que los creadores y la famosa ministra-cineasta sean vistos como comandita de amiguetes inquisitoriales, el club de la ceja, que sólo protegen sus intereses económicos y políticos, y a los que le importa un bledo ser vistos o no por el público.

Bienvenida sea la crisis abierta por Álex de la Iglesia. Lo peor de la gala de los Goya no fue ver la cara controlada de la ministra-cineasta, sino los mohines ariscos y disconformes de Icíar Bolláin, la vicepresidenta de la Academia, a la que no le gustó nada el discurso del ahora expresidente. El antaño cansino Garci y su cine añejito es sustituido actualmente por la plana mayor progrefeminista, tan académicos y rancios como el anteriormente citado, al que han hecho bueno. (Que conste que respeto mucho a Garci, sobretodo como divulgador y presentador de programas de cine clásico para la tv).

Si las últimas películas de Garci ya nos la veía nadie, cierto es que el cine español progre actual se ve mucho más en festivales extranjeros que en nuestro país, y duele contemplar como estrellitas americanas como Adam Sandler y Jennifer Aniston se patean España para promocionar un mierdón, y la mayoría de nuestros cineastas desprecian a su público natural, nos miran por encima del hombro con sus mensajes moralistas y doctrinarios.

Triste, contradictorio y didáctico es que uno de los exponentes del cine patrio de hoy mismo sea Buried, una cinta con estrella americana rodada en inglés aunque la producción sea española. Y me parece una buena película que seguramente, con ese envoltorio, ha conseguido que muchos españoles vayan al cine a verla o por lo menos, a interesarlos en su búsqueda por internet. ¿A quién coño le interesa descargarse También la lluvia? Ya estamos colonizados, fabricamos cine americano para nuestro propio consumo y para el consumo de ellos, nuestros padres putativos los yanquis.

Con eso quiero decir, que los que tendrían que ser los exponentes de nuestro acervo cultural propio, son rechazados por sus posturas politizadas. De todas formas, me pregunto : ¿cuál es nuestro propio acervo cultural? En esta globalización que todo lo apisona y uniformiza, ¿qué se supone que es el cine español? ¿El que fue, por ejemplo, el de Mario Camus, un cine literario, teatral de grandes interpretaciones, o el variopinto de ahora, desde Fuga de Cerebros a Celda 211, cine de consumo con factura técnica de calidad?. Debería ser un cine que ofreciera todas las opciones para todos los públicos posibles, que éste pudiese elegir. Pero claro, el mercado y la taquilla son la gran apisonadora. Para que haya democracia y libre mercado real, tiene que haber protección y subvención. Es una paradoja contradictoria con todo el argumento anterior.

Si no regulamos, el mercado selecciona de forma implacable y tiende a la concentración y la estandarización de la oferta, pues se va a lo que funciona y es rentable. Pero si sólo se subvenciona, se cae en el abuso y el compadreo de favoritismos y clientelismo político, como ahora. Difícil equilibrio.

No sé, quizá el equilibrio esté en que los insufribles autores progres aprendan a entretener también y a promocionarse – prostituirse al estilo Sandler y Aniston.

No podemos pretender que el cine español sólo se base en el cine de terror, muy valorado fuera, como el francés del mismo género. Debería seguir teniendo cabida un Garci o un Camus, como antes, pero sin esclavizarlos a un pensamiento único ideológico, sea de izquierdas o derechas, dependiendo si es Sinde o Esperanza Aguirre quien te de el dinero. Y los de la Ceja no pueden pretender recibir de todos sitios, de las subvenciones y de la taquilla, pasando del más democrático gusto, el del público.

MISFITS:SUPERCANIS

2011-02-22T16:41:00.002+01:00

MISFITS: SUPERCHONI

MISFITS es una teleserie inglesa de Channel 4 donde una panda de delincuentes reciben superpoderes, algunos bastantes absurdos, de forma inesperada y espectacular.

Es algo así como mezclar DOCTOR WHO con SUPERCHARLY en un gag a lo LITTLE BRITAIN. Merece la pena echarle un ojo.

SANGRANTE RETROCONTINUIDAD

2011-02-16T23:22:00.002+01:00

EL MASCA: PREVIOUSLY IN SAW...

SAW 7 retuerce y exprime los huecos narrativos en la dilatada trayectoria de la saga para ofrecer un espectáculo visceral para sus incondicionales, echando la vista atrás al inicio de la historia y a sus capítulos más recientes, que como viene siendo habitual es imprescindible tener frescos en la memoria para comprender bien el puzzle sangriento de Jigsaw.

El desenlace, abierto a seguir suministrándonos nuestro capítulo anual -como si de una teleserie imprescindible en pantalla grande se tratara, recuerden cuando eran fans de Expediente X en los 90 y corrieron a las salas a ver ese gran episodio entre temporadas que fue X FILES: ENFRENTATE AL FUTURO, así comprenderán la adicción de los seguidores del laberinto criminal de SAW- es quizás uno de los más inverosímiles y puede que forzados, en su afán por cerrar un círculo con el film fundacional.

Mencionar el cameo del cantante de LINKIN PARK como un pandillero skin víctima de un chusco tinglado mortal, lo cambiado que están Sean Patrick Flannery y Cary Elwes a como les recordaba en LAS AVENTURAS DEL JOVEN INDIANA JONES (es que hace ya como 20 años de aquello) y en LA PRINCESA PROMETIDA (aún más) - o en la misma SAW 1- y el exhibicionista inicio (pasado el prólogo de los créditos) tan accesorio como festivo, rayando la parodia. Por lo demás se mantiene la estructura de historias casi corales y tiempos paralelos, tramposos y malévolos. Para los profanos, imaginen la historia de SEVEN pero donde el protagonista (y casi el héroe) fuera el asesino en serie que en aquella no aparecía hasta casi el final, añadan un montón de pelis más tras aquella, una estructura entre el giallo policiaco más macabro y las pelis de Fantomas, y tendrán algo así.

No teman al término torture-porn, sobretodo cuando vaya asociado a un mundo tan necesario e inteligente en el panorama del terror-gore norteamericano como el de SAW.

MATINEE DE TARDE

2011-02-12T17:48:00.002+01:00

Dedicada a la memoria del pionero Paul Naschy, LA SOMBRA PROHIBIDA es la segunda parte de LA HERENCIA WALDEMAR.
Una ágil introducción (como si de un buen trailer se tratara) resume lo acontecido en la entrega anterior, quedando aquella en poco más que un prólogo casi prescindible en cuanto a la relevancia del desenlace, si no fuera por Leonor Waldemar y Aleister Crowley, los puntos fuertes de aquella, y sus conseguidos créditos iniciales (de lo mejor del conjunto).
Eso y una música poderosa son los puntos sobresalientes también en esta conclusión, aparte por supuesto de la breve esperada aparición del monstruo gigante Chtulu y del personaje Santiago, interpretado por un actor desconocido para mí con gran calado en las mejores escenas del film, posiblemente las únicas realmente inquietantes.
Alguien me definió la primera peli como un "Fanfilm", como crítica pero también en el buen sentido. Porque, sin menospreciar la entrega profesional de todos los implicados en el proyecto (al contrario), deja un poso de ingenuidad en el espectador, un eco de mucho esfuerzo invertido en unos resultados que denotan una gran pasión pero que no consiguen enganchar del todo, aunque sin duda Sí entretener.
Con todo, hay que reconocerle el mérito de navegar casi contracorriente en un medio donde el fantástico goza de muy buena salud pero la serie B más clásica genera quizás pocos afectos. Esto nos llevaría, si profundizáramos más en ello, al recurrente tema de lo poco comercial que puede resultar en ocasiones hacer cine de género con vocación precisamente comercial en España, pero prefiero imaginar sencillamente que el artesano Juan Piquer Simón ha encontrado un heredero en su forma festiva y sin complejos de entender la aventura del cine.

VANESSA EN EL JARDIN, VALERIE EN LAS ESCALERAS

Recuerdo hará casi dos décadas un pase televisivo nocturno de EL SUEÑO DEL MONO LOCO, la extraña película de Fernando Trueba con Jeff Goldbum que miré a solas bajo los efectos de algún medicamento adulterado. Pero antes del film se emitió un corto de Clint Eastwood para la serie de Spielberg CUENTOS ASOMBROSOS titulada VANESSA EN EL JARDIN, un raro cuento sobrenatural con un pintor interpretado por Harvey Keitel. Buen momento para recordarlo ahora que Eastwood quizás vuelve por fueros Spielbergianos para una nueva incursión en el amor y la muerte sobrenatural.
VALERIE EN LAS ESCALERAS es uno de los capítulos de MAESTROS DEL TERROR (segunda y última temporada), dirigido por Mick Garris sobre un relato de Clive Barker, con Tony Todd (Candyman en la serie de films inspirados también por Barker) y Christopher Lloyd en roles secundarios. No es el mejor relato de la serie pero tiene un punto de partido sugerente: Una residencia apolillada para escritores noveles, una aparición desnuda, romántica y aterrada en el rellano de las escaleras, y una hoja en blanco que el realizador liquida con sangre, fiel a sí mismo.
Recuperar brevemente a John Saxon y Meat Loaf en PIELES, la segunda historia de Dario Argento para la serie (inferior a su primera incursión, la muy inquietante y malsana JENNIFER), es uno de esos pequeños regalos que MAESTROS DEL TERROR mantuvo en su corta andadura, continuada en una especie de tercera temporada en la aún más breve FEAR ITSELF (TERROR EN ESTADO PURO).

Eastwood: MÁS ALLÁ DEL CINE

2011-02-08T20:41:00.002+01:00

Que Eastwood es ya un clásico en vida, es algo que se dice mucho y que se sabe. Que se atreve con todo, también. En esta ocasión, Hereafter es una de esas cintas en apariencia, menores, que se hacen grandes cuando se recuerdan. Es un ejercicio de modestia aunque tenga una fachada barroca, me refiero a una historia con varios personajes, situados en dos continentes, que toca un tema complicado, con el que puedes rozar o caer de bruces en el ridículo, y que suele tratarse de otra forma en el género de lo sobrenatural o fantástico.
Pero Eastwood nos hace a su manera, casi sin darnos cuenta, tres películas en una, la americana, (la mejor para mí), con su romanticismo y melancolía conocidas, con su costumbrismo y humanidad celebrados, que sólo con una escena, la de la clase de cocina con el médium y su compañera de mesa, ya valdría por si sola el coste de la entrada. Después, la inglesa, con su Oliver Twist particular, muy a lo Ken Loach y Mike Leigh, con ese niño gemelo cuya cara de seria responsabilidad te atrapa.
Y la película francesa, más glamourosa, con Cecìle de France buscándose a sí misma, cuyo arranque de la trama, tan al estilo de su jefe en este proyecto, Spielberg, ya te hace replantearte que el cine de Zemeckis o del mismo Spielberg es posible sin ellos detrás de la cámara.
En conclusión, Eastwood puede hacer la película que le de la gana, sin perder su sello. Y éste es visible en la escena final de la cinta, que tanto me recordó a aquella secuencia romántica en las escaleras del monumento a Lincoln de En la línea de fuego, película de Clint Eastwood sin Clint Eastwood dirigiéndola, pero llena totalmente de su alma. Y de almas se habla en ªMás allá de la vida”.

INMOLADOS

2011-01-24T11:26:00.004+01:00

TRAS LAS LINEAS DEL ADVERSARIO

En ULTRAMARINES se traslada al cine de animación de serie B el universo de WARHAMMER 40.000, una fantasía cósmica de guerra perpetua que ha dado origen a novelas, cómics y juegos de todo tipo. Es Dan Abnett, escritor de multitud de novelas de este mundo y uno de los principales revitalizadores de los personajes cósmicos de Marvel Cómics, el responsable del argumento del film, centrado en una legión perdida de estos guerreros, leales a un emperador muerto generaciones atrás que defienden su sacrosanta Tierra de las renegadas hordas herejes del caos y la disformidad, surcando el éter en su gigantesca y milenaria nave catedral y muriendo en un hostil planetucho envuelto en permanentes, abundantes y económicas nieblas y tinieblas. Conforme avanza la aventura, un zumbido se desliza bajo las voces de los dobladores. Prestando atención casi escucho otras, más graves y británicas, solemnes como las de Terence Stamp y John Hurt, capitanes de la segunda y quinta compañía de Ultramarines en la versión original, y bajo sus tonos, algo más, el eco chirriante del metal pesado, la música evocadora de algunos grupos de Rock ideales para acompañar al portador de la noche, el grimorio tenebroso que es el Codex de las runas infernales, como las canciones de los granadinos DEMIURGO, disponibles en su web.

LOST IN TRASLATION

SOMEWHERE es junto a LOST IN TRASLATION los únicos films de Sofía Coppola que he visto hasta la fecha, y les encuentro numerosos puntos en común, aunque también sonoras diferencias. Lo sorprendente de SOMEWHERE podría ser lo cómodamente que se sigue y lo corta que se hace siendo una historia pausada sin grandes momentos ni un ritmo interesante, que de hecho no se esfuerza en dejar claros sus puntos dramáticos, cosa que tampoco necesita. Sí queda patente su condición de coproducción con Italia, un país que queda retratado como el circo hortera mediático que en parte es, quizás incluso involuntaria y benévolamente. La historia es como el reverso melancólico de un capítulo de la teleserie ENTOURAGE. Donde allí vemos un séquito de amiguetes que gorronean a una estrella emergente de Hollywood, aquí hay un solitario y aún joven galán trasnochado que vive en hoteles y camas ajenas, que a ratos parece consciente de que sólo su hija vale la pena en su vida, repleta de elementos envidiables incluidos en situaciones tristes y vacías.

BAJO ESCUCHA , Primeras Impresiones

Mucho se ha escrito sobre la serie THE WIRE, y parece que todo muy favorable. Vistos sólo los 3 primeros episodios, lo comprendo. Imaginando que en sus muchos capítulos (creo que alcanzó las cinco temporadas completas) su trama se complicará y sus personajes pasarán por momentos de probable dramatismo, la primera impresión de lo poco visto hasta ahora, como si de un film independiente se tratara, es que su frescura e interés radica en su credibilidad. Si los polis protagonistas de THE SHIELD (Al Margen de la Ley) eran unos violentos y trapicheros corruptos, enérgicos y voluntariosos, aquí los funcionarios no le echan ganas ni al trapicheo La mayoría parecen honrados (como poco), aunque se intuye una grave situación de corrupción entre los altos mandos de la ciudad, pero profundamente apáticos y acomodados, proporcionalmente a la importancia del rango que ostenten, resignados al enchufismo que les hace compartir empleo con incapaces absolutos y con medios ridículos que han de mendigar a los federales. Pero, como suele ocurrir en la ficción, un Eliott Ness y algunos modestos intocables se adivinan en el horizonte para agitar un poco el avispero de Baltimore.

GREENBERG : BUSCANDO MI SITIO

2011-01-17T10:28:00.005+01:00

Siempre teme uno que el paseo de las estrellas de Hollywood por el universo indie acabe en bluff o en pose artificiosa. En este caso, GREENBERG, con argumento de Jeniffer Jason-Leigh (que hace una colaboración en pantalla), es prueba de solvencia.
Ben Stiller interpreta de forma creíble a un perdedor misántropo, más bien autista, que decide no saber conducir (un suicidio en los Estados Unidos) ni quiere relacionarse con los demás. Es una persona que no siente empatía por la gente, que no se ofrece y que vive recluido en su mundo de cartas-protesta a las grandes corporaciones, en su afán de perfeccionismo maniático.
Pero se cruza en su camino una chica jóven, sencilla, ingénua y también dolorida por la vida, que se fija en él, mucho más maleado y quemado, por edad y trayectoria.
En manos del director uruguayo de Whisky o del finlandés Aki Kaurismaki, este personaje habría llegado a cotas de hastío sublimes, pero lo entronco más con el grandísimo Bill Murray de Flores Rotas, del muy zen Jim Jarmusch.
Quizá esta cinta gira demasiado sobre sí misma, alargando un metraje y una historia a la que se intuye como va a acabar, pero me quedo con la buena composición de personajes (fuera de onda) y sobretodo, con el coraje y la valentía, no sólo de representar un retrato generacional de alguien maduro que no encuentra su lugar, sino de hablar con normalidad de asuntos muy censurados en las películas de Hollywood como el aborto.

¡¡QUE LA GALAXIA TE ACOMPAÑE!!

2011-01-14T18:06:00.004+01:00

Tuve conocimiento por televisión del fallecimiento de Juan Piquer Simón, uno de los pocos directores españoles que me sonaban de niño por películas como VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA, SLUGS:MUERTE VISCOSA, y entre muchas otras, la gran SUPERSONIC MAN.

Avistamiento del superhéroe alienígena sobre New York.

ES COMPLICADO CONTROLAR UNA COMEDIA

2011-01-10T11:37:00.004+01:00

NO CONTROLES también es un ejercicio de nostalgia, dentro de esta nueva ola de revivals de música, películas y modas que traen consigo treintañeros largos, casi cuarentones. Es una cinta, en mi opinión, poco ambiciosa, imperfecta, que no busca la redondez, y a la par, menos graciosa que Pagafantas, el prometedor debut de Borja Cobeaga. Falla cuando pretende ser comedia alocada, y gana cuando se decide por el drama o la tragicomedia. El personaje que tan bien interpreta el Muchachada Julián López (un cómico que llegará lejos), al final, queda como comparsa, cuando da para más, pues esta caterva de perdedores treintañeros, que ni vienen ni van, compuesta por unos, atrapados en su pasado de escuela o instituto, otros que buscan amistades imposibles y desesperadas en cruceros en Punta Cana, tienen más de trágicos que otra cosa. A Unax Ugalde no se le ve suelto en los arlides de la parodia, su personaje encorsetado se crece en las escenas de lágrima, y Alexandra Jiménez, correcta como siempre en sus papeles de buena chica, demuestra que tiene potencial como actríz.

Debo decir, que en este tipo de comedias generacionales de perdedores, me quedo con las americanas, como Jacuzzi al pasado, o las de Kevin Smith, etc.., pues éstas consiguen generalmente cerrar bien las historias con guiones sólidos, donde se mezclan en su justa medida, dósis de risas alocadas y tragicomedia más o menos profunda. Los personajes de No Controles daban para mucho más, pues sus actores son solventes, y con un mejor montaje, podría haberse mostrado matices emocionales que se pierden, en pos de un acabado rápido de comedieta ligera sin pretensiones.

Ya lo han dicho grandes actores y cineastas, es bastante más difícil hacer una buena comedia que un drama. Maestros como Billy Wilder ó Charles Chaplin demostraron que el mejor análisis del ser humano, sus miserias y grandezas, e incluso la crítica política, se encuentra en este género artístico, tantas veces denostado, y tan complicado de realizar.

CAÑONERO

2011-01-10T10:52:00.001+01:00

TRAICIÓN SIN LÍMITE

LOS PERDEDORES, basada en el cómic de Andy Diggle y Jock para la línea Vértigo de DC Cómics, es una simpática y entretenida película de apenas hora y media producida con buen criterio por el explosivo Joel Silver para Dark Castle (que se salta aquí su tradicional producción centrada en el terror de serie B), que recuerda poderosamente a la premisa de EL EQUIPO A, inspiración confesa de la novela gráfica, y a un cine actual visualmente desinhibido como el que practicó Joe Carnahan en ASES CALIENTES (curiosamente realizador del reciente film del EQUIPO A). Oscar Jaenada encarna al virtuoso francotirador de este grupo de soldados fugitivos, cuyo reparto es seguramente el gran acierto para dotar de entidad sólida a la historia, destacando Zoe Saldana como la única chica del conjunto. Sabe a poco y deja con ganas de más, aunque sospecho que no habrá más entregas pese a un final tan abierto que parece concebido para ello, al contrario que en TRAICIÓN SIN LÍMITE, el gran seudoremake de GRUPO SALVAJE que Walter Hill filmó en los 80 - al que también me recuerda en algo este film- , donde prácticamente nadie sobrevivía para afrontar mayores desventuras. Recuperad ese estupendo film con Nick Nolte como durísimo Ranger, Powers Boothe, María Conchita Alonso y el gran Michael Ironside. De Traca.

CYBERTRON

TRON: EL LEGADO es más que una muy digna continuación de una historia de hace casi treinta años o un ejercicio de nostalgia. Es un festival sensorial, no necesariamente en 3D. Es una historia sencilla y épica en la que pueden identificarse ecos estéticos y argumentales de 2001:UNA ODISEA DEL ESPACIO o STAR WARS, con una importancia vital de la música del dúo DAFT PUNK, con una banda sonora sencillamente perfecta para potenciar al máximo las imágenes que traen el mundo de TRON a una actualidad a la que se adelantó, antes de que existiera internet o se popularizara el término "avatar", antes incluso de la prehistoria de los videojuegos, a los que TRON ayudó y que ayudaron a que el primer film fuera un producto con beneficios, que pudiera ir cimentando una merecida fama de film de culto para propiciar la realización de esta secuela, descabellada entonces.

PRELUDIOS Y NOCTURNOS

Mi trasnochadora gripe me citó con algunos pases televisivos de madrugada de films de los setenta (o no recientes) que no había visto o ni conocía.
No es el caso de LA PUERTA DEL CIELO, de Michael Cimino, que vi hace muchos años en televisión pero apenas recordaba. Una historia sencillísima pero poderosa de candente actualidad, con una forma de ser contada que es lo que la hace distinta y bella. Si pusieran el nombre de Terrence Malick en lugar del de su director nadie lo habría notado y a todo el mundo le habría parecido la repanocha frita. No recordaba por ejemplo que Isabelle Huppert era la prostituta protagonista, jovencísima y bonita, ni al gran Mickey Rourke en una breve aparición aunque Sí a Kriss Krisstoferson y a John Hurt, que nunca fueron jóvenes. El único western actual que en algo puede recordarme a este es quizás EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD, donde la cadencia del ritmo son también de otra época.
BROADWAY DANNY ROSE y LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO son films grandes en su modestia y clásicos en su falta de aspiraciones, ambos de Woody Allen.
En EL PASAJE, Anthony Queen es El Vasco, un pastor que cobra por cruzar los pirineos con un científico (James Mason), perseguido por un sádico psicópata de las SS (un joven Malcom McDowell, recordando a ratos más al parlanchín oficial Hans Landa de MALDITOS BASTARDOS que sus locos habituales), y con la curiosa y breve aparición de Christopher Lee como patriarca gitano, en una historia dirigida por el olvidado J.Lee Thompson.
BEAUTIFUL JOE, quizás resulte demasiado cursi a ratos, pero Sharon Stone borda un papel con algunas semejanzas con el de CASINO, posiblemente uno de los mejores de su carrera, y resulta un film agradable de ver. Igualmente que BAD SANTA, aunque este apenas cede a la ñoñería navideña porque Billy Bob Thorthon no deja nunca de ser un Santa Claus borracho, ladrón y putero, pero el único a mano después de todo.

LA NOVÍSIMA CARNE (BLACK SWAN)

2011-01-02T19:35:00.006+01:00

Desde el Club de la lucha, no había visto tan bien contadas las batallas interiores en una mente enferma, y los mundos imaginarios tan fieramente reales que el cinematógrafo es capaz de crear con nuestros fantasmas internos.
Sin yo conocer prácticamente nada del argumento de El lago de los cisnes, The Black Swan consigue tomarlo como apoyo para contarnos la bajada a los infiernos de una joven bailarina desquiciada por todo lo que ella ya trae encima, por la madre castradora cuya cara operada la hace aún más terrorífica, por la brutal competitividad en ese mundo esclavizante de sacrificio y dolor que es la danza clásica, por la bulimia y anorexia arrastrada desde la pubertad, por la represión sexual de una adolescente a la que no han dejado crecer, y por el acoso sexual de un profesor que decide arbitrariamente quien triunfa y quien cae en el olvido.
Todos estos elementos confluyen para que Nina, la gran y posiblemente oscarizada Natalie Portman, explote en las montañas de la locura. ¿O no?
Cinta de terror puro, con esa mirada sufriente de Nina en cada reflejo de su cuerpo cadavérico.
Me pareció similar a El Luchador, con un Rourke en estado de gracia que lo era todo, pues siendo aún más redonda The black swan que aquella, sin Nina-Natalie Portman -en su mejor papel, en el apogeo de su madurez interpretativa), la película es poca cosa. Estos personajes tan carismáticos y poderosos hacen que el resto de personajes y argumento giren alrededor de ellos, y con tan buenos actores y actrices, es difícil hacer películas mediocres.

ARANOFSKY ME RECUERDA AL CRONENBERG DE LA NUEVA CARNE DE HACE UNOS AÑOS...

ESPAÑA ES UNA COLONIA DEL CINE DE HOLLYWOOD

2010-12-29T14:31:00.002+01:00

Siento de nuevo, queridos lectores, dar mi opinión aquí sobre un asunto político, social o de actualidad, pero no puedo evitarlo en estos tiempos revueltos en España.
Manifiesto mi alegría porque se haya tumbado la Ley Sinde en el parlamento, pero tampoco estoy de acuerdo en que todo lo que circule por la Red deba ser gratis per se. Creo que este gobierno, con su ministra a la cabeza, ha sido torpe y anticuado, porque no se le puede poner puertas al campo, o sea, a internet. No se puede legislar a la vieja usanza un asunto que necesita nuevas formas, más creativas e imaginativas. Ellos, los socialistas, que son tan liberales en lo económico, después no entienden que hay sectores o áreas en los que no hace falta crear leyes, sino llegar a acuerdos, o simplemente, no intervenir. Somos adultos los consumidores, sabemos discernir, y por eso, necesitamos poder elegir entre distintas opciones.
Mi preferencia es consumir productos audiovisuales con una buena calidad de imagen y sonido, y no me importaría pagar para tener descargas legales de buena calidad técnica, dentro de un catálogo amplio y variado, que comprenda películas españolas, europeas, asiaticas, africanas, latinoamericanas, etc.. Eso sí, no pagaría lo mismo que cuesta una entrada de cine en una sala convencional. Quisiera que me costara bastante menos. Y que una vez bajado ese archivo legal, yo pueda hacer lo que quiera con él, pues ya estoy pagando el cánon correspondiente a la sgae por comprar un cd o dvd virgen, o un pendrive, etc.. Los gobiernos no deben legislar amparando los intereses parciales y comerciales de sectores industriales, sean los de las grandes disqueras, productoras o distribuidoras, y menos si pertenecen a países extranjeros, como a los Estados Unidos de América. Un gobierno que regula bajo las presiones interesadas de Monsanto, empresa norteamericana fabricante de semillas transgénicas, o de Hollywood, no es un gobierno libre ni soberano. Hace tiempo, Eiyeljasel y yo mismo, debatimos sobre abrir el mercado español a productos audiovisuales europeos, tanto para el cine y la televisión, y cerrarlo a productos extracomunitarios, aplicar las mismas normas y rasero a las peliculas norteamericanas que a las chinas. No puede ser que las productoras estadounidenses tengan, por ley, que producir y distribuir presuntas cintas españolas para que nuestro cine pueda sobrevivir, es como una limosna y un permiso que nos da el gigante yanqui para que perdure la cultura española y europea. Debería reducirse el número de licencias para el doblaje, pues eso beneficiará al cine español, ya que no trataremos a las películas dobladas americanas como si fueran españolas, al escucharlas en nuestro propio idioma. Y que pasaran al mercado del dvd todas aquellas cintas americanas y del resto del mundo que no tuvieran cabida en nuestras salas, así no tendríamos que comprarles las pelis a los yanquis por paquetes, en sus abusivas prácticas contractuales. No sé qué miedo nos da a los europeos el proteccionismo, sistema que emplean sin ninguna contradicción los propios americanos en su mercado nacional, para que nadie de fuera les haga competencia. Si ellos sólo exigen liberalismo económico a sus clientes, no sé porqué estos progresistas de boquilla socialdemócratas, que tenemos en el gobierno, no aplican sus propia ideología. Será porque ya la han perdido, será porque ya somos una colonia del GRAN AMO USA.

Hey, Tron..

2010-12-29T13:50:00.002+01:00

Sí, Tron es un colega del colegio de todos aquellos treintañeros que disfrutamos con aquella peli mítica de los 80, tan extraña, tan visionaria, cuando nadie sabía lo que era un avatar y las redes sólo las utilizaban los pescadores.
El inicio de Tron:Legacy es puro homenaje, con ese tema hard rock ochentero del grupo Journey, que ya creó la b.s.o. del primer Tron de 1982. Leyendo la ficha de Wikipedia de ese Tron primigenio, veo que había ya muchos datos informáticos que como niño y profano, a mí se me escaparon de la película. Pero me quedo ahora con la emoción recuperada de chaval en la nueva entrega, que se adentra en un mundo donde la realidad virtual e internet son el pan de cada día, por lo cual, la tecnología no es la novedad en este caso, sino la búsqueda del Padre, el Genio de la Máquina, El Deus In Machina. Si la primera cinta tenía muchos elementos de ese cine antiguo fantástico como Metrópolis, ésta nueva no puede evitar tener como referente a Mátrix, la película fetiche del siglo XXI. Uno anhela encontrar rastros analógicos y físicos en ese mundo paralelo, donde el ser biológico se mezcla sin problema con programas, y donde surgen seres híbridos (biodigitales) creados en la red de forma espontánea, como nueva vida bacteriana, a la que da vida una increíblemente hermosa Olivia Wilde (House). Es curioso encontrar al padre, al viejo Jeff Bridges, como un santón budista, que medita en la posición del loto, en esa maravillosa casa virtual zen construida en la roca, desde la que contempla la ciudad virtual creada por él y sus colegas de ENCOM. Lo que más me sacaba de la ensoñación, lo que me alejaba de la historia, fue la representación virtual de un joven Bridges, su avatar allí, pues por fortuna, todavía la ciencia informática no ha logrado crear rostros humanos que parezcan reales. Pero se lo perdoné, porque en ese mundo no chocaba un actor renderizado.
El hijo que buscaba al padre perdido como Jonás en el interior del vientre de la ballena virtual, somos nosotros, los nostálgicos que pedimos continuar la aventura después del fulminante gameover en la máquina de marcianitos.

¿Qué está pasando en la red?

2010-12-19T19:38:00.002+01:00

ENLACE A "NO AL CIERRE DE WEBS"

No a la censura. No a la Ley Sinde. No al cierre de webs.

AYÚDANOS A SEGUIR TEJIENDO

Discúlpanos si no es esta página lo que querías leer este domingo. Seguramente vienes de otra página de Internet donde esperabas encontrar algo muy distinto. Si así lo deseas, puedes dejar de leer ahora mismo, pero nos gustaría explicarte por qué hoy han cerrado algunas webs. Si el próximo martes 21 de diciembre algunos políticos deciden aprobar la Ley Sinde, la Internet en español que hemos conocido cambiará para siempre, y miles de páginas podrán ser cerradas desde el poder.

A lo largo del último año, en esta página se ha publicado mucha información sobre la Ley Sinde, un proyecto de censura de Internet escondido dentro del proyecto de Ley de Economía Sostenible. Te invitamos a ver los vídeos, a escuchar, a leer y a reflexionar. Cuando te hayas informado acerca del peligro para las libertades que representa la Ley Sinde, no te quedes sentado. Sal a la calle y explícaselo a todas aquellas personas que conozcas, muy especialmente a aquellas que viven desconectadas de Internet.

La Ley Sinde no nace de la voluntad del pueblo español, sino que es una imposición extranjera. La embajada de Estados Unidos ha presionado a nuestro gobierno para aprobarla, pisoteando nuestra soberanía nacional. Quieren una Internet sumisa y controlable, que sea útil para convencer a la población, como los restantes medios de comunicación controlados desde el poder. No quieren que la gente comparta información, no quieren que sepamos quién mueve realmente los hilos, no quieren que sepamos cómo se enriquecen empobreciendo al resto de la población. Quieren una red esclava desde la que vendernos su visión del mundo.

Hubo una vez un hombre que creyó en la paz y en la libertad, y que murió asesinado. Se llamaba Mohandas Karamchand Gandhi, y se enfrentó a un imperio con una primitiva herramienta: su rueca de hilar. Pronunció estas palabras: "Si trescientos millones de personas hilaran una vez por día, no porque un Hitler se lo ordenara, sino porque se inspiraran en el mismo ideal, tendríamos una unidad de propósitos suficiente para alcanzar la independencia."

Mucho más de trescientos millones de personas están tejiendo cada día esta inmensa red de intercambio de conocimiento que se llama Internet. Millones y millones de personas compartimos información a través de redes abiertas. Hemos creado una cultura y tenemos un objetivo común y universal. Todo eso puede cambiar a partir del próximo martes. La Ley Sinde es una tijera que permite cortar los hilos que mantienen viva Internet, una red que debe seguir siendo libre y neutral, como instrumento de progreso, paz y libertad.

Ayúdanos a seguir tejiendo. Sal a la calle, explícaselo a tus vecinos, a tus amigos, a tus compañeros de trabajo. Y discúlpanos por haberte estropeado este domingo, pero lo hacemos para que puedas disfrutar en libertad del resto de tus domingos. Muchas gracias.

PÉRDIDAS

2010-12-19T11:40:00.006+01:00

INGRID

INGRID suena como un concierto en la antigua casa okupa, antes del perroflautismo autoimpuesto de batucada perpetua.
Huele como el interior de una emisora de radio estudiantil.
Brilla como un corto amateur sobre franceses bohemios o una performance callejera.
Sabe como un giallo mediterráneo donde parece que va a irrumpir Asia Argento hablando en catalán con acento italiano.
Inquieta y mancha como un espectáculo cenobita de La Fura y se recuerda como un fresco del panorama musical moderno de un instante.
Intriga como una versión experimental de un film de terror de Filmax.
Arde como una explosión cultural sensorialmente equivalente al síndrome de Stendhal.
Se pierde como David Lynch en un remake de una peli de fantasmas japonesa.
Grita como una versión musical de la vampírica ARREBATO para la generación de facebook.
Y calla con los silencios de un emocionante documental.

SOY UN CYBORG, PERO ESTÁ BIEN.
REPO MEN es una sátira negrísima y lúcida, escalofriante sobretodo porque resulta inexplicablemente creíble, futurista por los pelos. Muy bueno resulta el contraste entre la niña china cirujana de mercado negro y la aséptica megasala corporativa de montaje de órganos hipotecados, la estridente secuencia de acción desbocada contra unos encorbatados ejecutivos con cuchillos de carnicero a ritmo de rock, o el romántico cuasidescuartizamiento mutuo de los amantes Jude Law y Alice Braga con la melodía de Bring it Back de Moloko. Pero la infravalorada REPO MEN, tan ignorada y denostada como la también reciente y reivindicable LOS SUSTITUTOS, es más: Una buddie movie gore, un Blade Runner decadente y reflexivo donde todos son replicantes y el futuro no parece nada distópico, encallado en una recesión permanente, una crisis eterna y unas guerras continuas que parecen favorecer a unos pocos, un sistema enquistado en la extinción de la clase media y la explotación laboral y comercial hasta niveles esclavistas, con un inesperado desenlace, resonancia de las fantasías más oscuras de Terry Gilliam, donde ser de profesión destripador resulta terriblemente real, tanto como caer por las grietas de la ciudad a lo que llaman "área de exclusión social". Y las secuencias eliminadas del film subrayan con mayor evidencia otras críticas, como la expropiación de la propiedad intelectual y cuestiones igualmente actuales. EL libro THE REPOSSESION MAMBO en que se basa ha inspirado también otro film reciente que supongo muy distinto: REPO; THE GENETIC ÖPERA; en clave musical: Habrá que verlo, además de recuperar EL RECUPERADOR, extraño film surreal de hace décadas, dirigido por Alex Cox, no sé si guarda alguna conexión real con estos pero sí pueden encontrarse peculiares conexiones.

EL RECUPERADOR de los 80, ¿nada que ver?

FUTURESPOTSLas escenas inéditas del film incluyen unos anuncios corporativos al estilo de los de ROBOCOP, de mordaz ironía donde se promociona la trata de blancas o un desodorante a prueba de torturas de salvaje y gozosa incorrección:jude law aporta matices en v.o. a su personaje; en su regreso al futuro tras la fabula androide de A.I. y la más cercana a REPO MEN en solvencia: GATTACA.

Un Híbrido entre la nube voladora de Dragon Ball y el Dragón de la Suerte.
EL JOVEN MAESTRO (YOUNG YODA)AIRBENDER: EL ÜLTIMO GUERRERO, al margen de la serie de animación que adapta, es un film infantil de acción y fantasía muy entretenido y que sabe transmitir un contagioso sentido de la maravilla sin caer en el abuso de los manidos y melosos recursos dramáticos del sello Spielberg ni de efectos especiales injustificados que lastren u oculten la aventura (aunque tiene muchos y deslumbrantes): los chicos protagonistas no necesitan una definición exhaustiva para resultar atractivos, y la espectacularidad indispensable esta garantizada en todos los ámbitos del film: dejando con ganas de continuar con la saga épica, donde no desentonaría el Atreyu de LA HISTORIA INTERMINABLE pero que también encuentra el punto adecuado a lo que podría inspirarse en un anime festivo popular como Dragón Ball (posiblemente mejor que la propia adaptación en imagen real del propio manga) con todas las diferencias entre ambos. Tanto LAS CRONICAS DE NARNIA como sobretodo AIRBENDER; me parecen muy superiores en este sentido a la más celebre historia río cinematográfica de Harry Potter, al menos por lo que he visto hasta ahora de la misma (voy sin prisa por la cuarta entrega).

LOS AMORES IMAGINARIOS

2010-12-16T19:18:00.003+01:00

3 PELÍCULAS, 3 :

- AFTER
- THE TOWN
- LOS AMORES IMAGINARIOS
1. Española
2. Americana
2. Francocanadiense

En la primera y en la tercera, coincide el argumento del trío amoroso, tan usual y bien contado por los franceses en su literatura y cine. En realidad, en la primera, se nos cuenta la historia de 3 vacíos, de personas que buscan el amor y no lo encuentran, y mientras tanto, desfasan. Vidas miserables como las de cualquiera, en eso Alberto Rodríguez se acerca al espíritu de nuestro tiempo en las grandes ciudades. no es la que más me gusta de este director sevillano, porque dura demasiado, se extiende en acabar el puzzle cuando la historia ya está finalizada mucho antes.

Título sugerente y poético en la producción de autor francocanadiense LES AMOURS IMAGINARIES =
*Curiosa, pedante, pretenciosa y grandielocuente, imitadora de las peliculas francesas e italianas de la nouvelle vague sobre amour fou, está Eric Rohmer, está Antonioni, pero sus personajes enganchan tanto por su estilo, su glamour, su rabiosa modernidad retro y vintage, que se les perdona todo lo demás.
A veces parece el ejercicio final de un joven alumno de una escuela de cine, pero son tan bellos, miran tan bien los actores, que su pretenciosidad se olvida en aras del recuerdo al gran maestro francocandiense Denys Arcand.

Acabamos con Ben Affleck, efectivo y más que correcto director de cine de género, menos clásico que Eastwood, menos moderno que Michael Mann, pero igual de competente. Historia de amor creíble aunque su premisa pueda parecer delirante. Redención y camino del héroe, superación de obstáculos para conseguir salir de la ciénaga. No hay tríos artificiosos ni vacuidad en sus vidas, como en las anteriores cintas de autor, hay lucha y valores de siempre, lealtad, honestidad, verdad.
Un hombre conoce el amor y hace todo lo posible para cambiar su vida y hacerse merecedor de él. Y las calles estrechas del viejo Boston parecen tan británicas, tan europeas...

MILO Y EMILIA

2010-12-15T11:55:00.005+01:00

EN LA CIUDAD SIN LIMITES

Emilia parecía salida de uno de los primeros films de Atom Egoyan. Rota, grabando la vida en vídeo y con el suicidio como pedante performance. Milo y el guardián que busca a alguien son más como personajes secundarios de una nueva aventura anglosajona de Isabel Coixet, tristes y melancólicos, en apariencia frágiles.
El enmascarado de la ciudad catedral vive su misión como si Michael Ende hubiera reescrito V de Vendetta con su peculiar estilo. Los clérigos que lo acosan recuerdan a los fumadores de Momo, y él es un Rorschach recorriendo Dark City, una mancha en la oscuridad. Pero..¿Quién es el limpiador del Hospital? ¿Acaso el auténtico narrador? también me recuerda a alguien, al "amo del calabozo" con aire obrero que introducía a unos chicos dentro de un laberinto en una añeja teleserie británica. Como en LA FUENTE, universos oscuros y cotidianos se dan la mano.
Pero todos tienen un nexo común, llamadlo FRANKLYN.

EL TÉTRICO PISTOLERO

JONAH HEX es un confederado. Un médium cazarecompensas marcado literalmente por la muerte. Más cerca del oscuro DJANGO que arrastraba su ataúd por el polvoriento oeste que de los espectrales justicieros de Eastwood en INFIERNO DE COBARDES o EL JINETE PÁLIDO, este último más decididamente influenciado por el heroico y blanco Shane de RAICES PROFUNDAS. Pero JONAH también tiene un sutil componente chamánico en su don sobrenatural que lo hermana con el BLUEBERRY de su confusa adaptación cinematográfica gala, aparte de por su compartido origen comiquero. De agradecer resultan su excaso metraje (menos de hora y cuarto), que obliga a la concisión, y la música argumental eléctricoguitarrera de Mastodon. Visualmente dinámica y conseguida aunque quizás excesivamente nocturna y oscura. Josh Brolin vuelve al western 20 años después de la teleserie LOS JÓVENES JINETES y Aidan Quinn encarna al presidente Grant. Cómo pasa el tiempo.

TINIEBLAS

La continuación de 30 días de oscuridad adapta el segundo cómic de la serie, DARK DAYS, con coherencia y precisión respecto al primer film, compartiendo sus virtudes y también sus lagunas, además de su estilo sanguinario y directo, y su textura fiel al cómic, protagonizado por cazadores de vampiros desprovistos de cualidades superheróicas. Mia Kirshner, que se dió a conocer en EXOTICA, del mencionado Egoyan, encarna a la reina de los vampiros, lo que siempre es un aliciente.